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5 CLAVES PARA CREAR UN ANTAGONISTA REDONDO

El villano, la oveja negra del redil. Llevo un tiempo queriendo escribir un artículo sobre este tema, pues numerosas películas se desploman por la carencia de un antagonista coherente e interesante que esté a la altura de las circunstancias.

Necesito puntualizar que no pretendo hablar de antihéroes, no me interesa, pues hay tiempo suficiente para desarrollar a estos individuos, ya que son, a su vez, los protagonistas con mayor tiempo en pantalla. Me quiero centrar en el clásico antagonista sin tratar un género.




Así mismo, me gustaría darte unos sencillos consejos que he ido acumulando en un cuadernillo mugriento durante años, unos recursos para ayudarte a crear villanos que eleven tu historia al abismo.

¿Te apuntas al reto?

1. DEFINE SU SER Y SU POTENCIAL.


A pesar de la obviedad de este punto, ha de ser explicado. Tras años de leer y releer historias y libros de narrativa inundados de clasificaciones y estudios redactados por literatos, he optado por ir contrastando y encontrando puntos de convergencia que dicten porqué ese antagonista funciona, y de aquí hay que partir, es lo más básico:

- Define su poder específico (o prevalente), esa facultad o poder que va a usar en su modus operandi y que, además, es algo que el protagonista no tiene. Únicamente plasmando esta carencia podremos elevar los listones dramáticos.

- Define sus características físicas y, por favor, que no sean simplemente su forma de vestir, el color de su pelo (a no ser que esto sea significativo), que tiene una cicatriz o un colgante (no están mal, pero son archiconocidos). Hablamos de características físicas que muestren esos ápices de su carácter y, por supuesto, que sean indicativas o consecutivas de ese poder. 

- Define sus características psicológicas puntuales utilizando sus gustos como punto de referencia. Aquello que se relacione a su persona y que, también, esté relacionado con su poder.

Kilgrave en Jessica Jones

Su poder: Es un hombre capaz de manipular la mente de todos los seres humanos.

Su físico: Ojos prominentes e hipnóticos. Armonía aparente, tendencia a la delgadez pues la gravedad de su actividad está puramente en su intelecto. Distinguido, pero con un toque algo hortera, a primera vista es elegante pero algo no acaba de cuadrar, bien por su aspecto general de desaliño, o porque conjunta cuadros con rayas y rombos. Rico, ya que utiliza sus tretas para beneficiarse económicamente. El poder adquisitivo del individuo se ve representado también por sus colores asociados a su persona, estos son el púrpura y el negro.

Su psique: Es un optimista porque, aunque desprecia a la mayor parte de los seres humanos, espera un futuro mejor. Jessica es la que representa esa idea de que, ciertamente, se puede vivir en ese sistema y aprender a valorar a los demás, aunque seas 'de otra raza aparte', representa que hay bien en el mundo y es posible vivir en él. Por supuesto, esto estaría conectado a su motivación conducida, únicamente, por el amor obsesivo que siente hacia ella, además de estar relacionado con su trauma al haber sido un ser escupido por el sistema. 

Da valor a cada detalle para bien o para mal, evalúa, piensa rápido y repiensa, observa cada ángulo. No es de extrañar, es producto de su capacidad manipuladora, aunque parece que descuida ciertas consecuencias de sus actos debido a una confusión jerárquica en su mente. Y esa es su flaqueza, trata de controlar a todos, y a sí mismo, pero en el fondo es un personaje extremadamente pasional, sanguíneo e inestable. En su mente, de la simpatía al odio hay un paso. Este aspecto es lo que convierte a este villano irascible en una bomba de relojería, pura incertidumbre (perfecto para crear conflictos latentes en la trama, aunque este no aparezca en el episodio en cuestión); pero también puede ser su talón de Aquiles. Todas estas características, a grandes rasgos, se ponen de manifiesto a través de sus acciones más sutiles, de sus palabras y su forma de hablar.


Aquí dejamos un vídeo con varios ejemplos y la presentación de Kilgrave (en la primera escena, que es la que más nos interesaría para este punto).




2. LA IMPORTANCIA DEL ESPEJITO MÁGICO.


Espejito espejito mágico... Claro. ¿Cómo si no podríamos mostrar el triunfo del protagonista? ¿Quién es el más guapo del reino? Para que exista una síntesis hemos de representar una antítesis, y no sólo eso, hay que mostrar otras cualidades o experiencias que, además, ambos tengan en común. Este aspecto debe ser materializado en una escena concreta, además de funcionar como motor en la historia, como referente constante. ¿Pero cómo lo hacemos? Bien, os daré 3 pautas básicas a visualizar antes de sentarnos a escribir escenas en que ambos interactúen:

PRIMERO: EL REFLEJO, TOMA LO QUE TIENEN EN COMÚN COMO REFERENCIA

En primer lugar, tened en cuenta que en este concepto de 'el espejo'. El antagonista es un reflejo del protagonista, es como la proyección de su otro otro yo. En este lago vemos, como si de un universo paralelo se tratase, que nuestra imagen se torna arrugada, deformada por las corrientes, podredumbre, pececillos, etc. etc. Y así es que nuestro antagonista es esencial para mostrar la psique del protagonista y en qué se podría convertir. Hablamos, una vez más, de la manifestación más visual de las posibles consecuencias de la aflicción, del pathos, del dolor y la transformación que cambian a uno. Aquello que todos los humanos entendemos y, por consiguiente, nos hace sentir empatía.

De esta manera, el reflejo no sólo provoca en nuestro protagonista una identificación y cierta compasión por su enemigo, sino también un temor a sí mismo ya que, en el fondo, son iguales. El reflejo le da un toque 'de atención' mostrándole qué es eso que puede perder si no cumple la misión, en cómo se vería afectada su moral o visión. Este reflejo también puede inducir a la reflexión y duda (¿por qué me he metido en esto?), o puede representar una imagen de muerte o decadencia. Es la vuelta a lo más primario, la pérdida de la inocencia al fin y al cabo, todo retorna al Génesis (perdón, dejaré la Biblia a un lado). Yo creo que ya he explicado bastante este punto.

Pensad en ello antes de empezar, todo esto se debe manifestar físicamente, ¿cómo? Tomando los poderes del antagonista y del protagonista como referencia que sí tienen en común o son complementarios (ojo, no hablo de superhéroes, me refiero en términos generales a esas virtudes en relieve y qué hacen con ellas); y contrastando las motivaciones de ambos.

SEGUNDO: LA MONEDA, TOMA LAS DIFERENCIAS COMO REFERENCIA

En segundo lugar, aquí llega la paradoja a visualizar: Ambos personajes están encadenados el uno con otro y enfrentados, 'el antagonista es la otra cara de la moneda'. A pesar de que, ciertamente, son dos individuos con un origen común, el uno detesta o aborrece lo que representa el otro y vice versa... Esto facilita que asumamos qué es eso que el antagonista tiene y el protagonista no, lo cual significa un contraste continuo y una catapulta de oro para expectativas del espectador.

Por otra parte, cuando mostremos por medio de esta dualidad inversa todas esas barreras y el verdadero potencial del antagonista, podremos victimizar más a nuestro héroe y hacerle mucho más atractivo, además de dar verosimilitud al conflicto en sí. Hay que tirar la moneda, y sólo uno puede prevalecer, los dos no pueden coexistir juntos.

TERCERO: LA CATARSIS, TOMA SUS ORIGENES COMO REFERENCIA

Y aquí llega la realización plena, la revelación suprema, la anagnórisis: El antagonista fue protagonista una vez en el pasado, y el protagonista es el antagonista en potencia. La catarsis: Tanto el protagonista (en cierta medida), como el espectador, sienten terror pero compasión por el antagonista. Esto se materializa ya en 'el reflejo', pero aquí damos un paso más allá.

'El antihéroe fue héroe en el pasado': El escritor del personaje ha de tener esto en mente en todo momento, sin 'pero' alguno. Diría más, el villano ha de tener el mismo amor o más que el protagonista por parte de su creador (en serio, que si no se derrumba el edificio). Sí, al igual que el protagonista, el principal agente del mal en nuestra historia tuvo un origen parecido, unos padres parecidos, unos traumas idénticos, y unos atributos que podrían ser los mismos que los de aquél al que tanto admiramos y deseamos bien. Y sólo así, este tercer punto nos conduce a la clave que unifica este magnífico tríptico.

¡Exacto! Los papeles pueden cambiar, todos cambiamos y tenemos motivos para hacer lo que hacemos... Ten compasión por tu antagonista, porque ambos personajes han sido el mismo una vez.


¿Por qué Terminator 2 ha sido la única película de la saga que ha trascendido todos los tiempos? No fue sólo por sus efectos y sus persecuciones... A pesar de que un Terminator, a simple vista, no posee una visión de tal profundidad, esta dualidad se manifiesta durante toda la película.


Como veis, el 'antagonista como espejo' puede dar lugar a largas y tediosas explicaciones, además de horas y horas de insomnio y reflexión. Ambos, héroe y villano, se retroalimentan en un círculo vicioso y podríamos estar preguntándonos que si gallina o huevo indefinidamente... En fin, la creación de este 'espejo', de esta doble imagen con triple vertiente, es esencial en vuestro proceso creativo. ¿No me creéis? Pues echadle un ojo a mi ejemplo:


Luke Skywalker y Darth Vader en Star Wars
(¡Qué original!)

Ya sé que este es el típico ejemplo, pero es que tengo a mucho Star-Trekkie que sigue mi blog y siempre me regañan por ahí diciendo: 'Pero vamos a ver, ¿cuál es la imagen del villano, por antonomasia, en la historia del cine?' Yo siempre respondo de todo, menos lo más esperado: Darth Vader. Tras poder observar que para el resto de los humanos ES ASÍ, pues me he decantado por utilizarlo esta vez. 

Darth Vader es el reflejo de Luke Skywalker. Luke, el soñador, el guerrero y aprendiz, el luchador que va a velar por la seguridad de la galaxia y a defender a los más débiles contra el emperador y todos los suyos. 

Más claro ejemplo no he podido encontrar, ya que, además, como sabemos todos, Vader es su padre. Vemos compasión dentro de esa corrupción, vemos humanidad, sentimos una cierta empatía y ese profundo miedo que nace en Luke, ya que puede que su fuerza no sea aquella que proviene de la luz blanca, precisamente. 

Ambos tienen las mismas capacidades, los mismos genes (más claro ejemplo de 'el mismo origen'). El emperador está en un segundo plano, la audiencia prefiere ver a estos dos personajes que, aunque estén en bandos diferentes, tienen una conexión. Y es que siempre te lo han dicho, desde que eras niño: 'Un día serás como tu padre', o 'tu padre hacía exactamente lo mismo que tú'. 

Así que, el espectador se pregunta: ¿Cómo un sanguinario así ha podido engendrar a una criatura tan noble? ¿Permanecerá noble siempre? Estos son también los temores de Luke, ya que tiene todas las virtudes de su padre y son el perfecto Yin Yang. Por último, Lucas se encargó de dar a las masas esa imagen que necesitamos (el cine es imagen en movimiento, no os olvidéis), nos mostró el dualismo y las caras de la misma moneda. Ese dolor y profunda maldición del ser humano: Dos seres vivientes que son parte de lo mismo, son lo mismo en esencia, aunque tienen diferente carga, conclusión: No pueden coexistir a la vez.  

Luke se está mirando al espejo, directamente a los ojos y una vertiente interna, desconocida, le llama. Su reflejo le tiende la mano para salvarle. Esta es, a mi parecer, una de las manifestaciones más claras de humanidad en un antagonista en la historia de nuestro cine. Nos muestra que, por mucho que detestemos a una persona, su carga negativa y su forma de ser, esta ha sido protagonista en el pasado, y ahora muestra, levemente, ciertos pequeños destellos de esa luz que fue.





No soy muy fanática de Star Wars, pero he de reconocer que esta escena muestra todo el amor de Lucas hacia su creación, y hasta le llega a redimir de sus pecados. Es un ejemplo de cómo en dos horas podemos presentar al antagonista y plasmar que 'éste fue protagonista una vez', que es un líder profundo y complejo (de hecho, hay que ver qué de carrete ha dado, para años de ficción).

'El espejo', uno de los motivos por los que este villano ha pasado a la historia.




Pero sigamos con la tercera clave que está relacionada con el 'espejo', con este dualismo, aunque tomada desde otro ángulo.

3. 'COMPASIÓN Y TEMOR' NO TE DIGO MÁS...


Sí, voy a hablar de compasión y temor, sé que este es el término utilizado y archiconocido por todos los que se estudian de cabo a rabo libros de guión y narrativa en general, pero pido permiso para matizar un poco este tema. 

En guión cinematográfico, este punto es mucho más importante, sobre todo por la principal limitación que tenemos: El tiempo para contar nuestra historia. Ya los griegos recalcaban ese tema: El pathos y la tragedia como espina dorsal del relato. ¿Por qué? Pues porque contamos historias sobre personas, y la vida de todo ser humano ha tenido, tiene y tendrá, SIEMPRE, a la tragedia como compañero principal. Es una lástima pero es así, desde sus comienzos, desde el nacimiento de un bebé y su desprendimiento de su hábitat, SIEMPRE HAY ALGO QUE NOS ES ARREBATADO...

Como escritor has de ahondar en este punto y mostrarlo o aludir a ello (aunque sin regocijarte demasiado) en las primeras páginas de tu guión por medio del protagonista, bien como sujeto activo o como vehículo, pero ¿qué hacemos para manidestar ese evento trágico con el antagonista? Pues tenerlo presente e insertarlo, cuanto antes, como muy tarde antes de la mitad del segundo acto (depende de tu historia y del formato, tu instinto te dirá dónde, en qué medida y cómo introducirlo, lo importante no es dónde, sino cómo). ¿Cómo se aprende eso? No hay normas, lee, lee, LEE. Es la única forma de que tu subconsciente lo asimile.

Entonces, ¿qué tiene este punto que es diferente al de 'el espejo'?... Pues que hablamos de eventos concretos del pasado que han hecho mella en la vida del villano (nos volvemos algo más pragmáticos, ¿vale?). Cierto es que no nos podemos regocijar en un pasado traumático, pero hay que modelar esas figuras de arcilla con la tragedia siempre actuando de esqueleto, así que tenemos que labrar:

  1. Una imagen. Hemos de mostrar o dar a conocer brevemente un evento traumático del antagonista, mostrar algo específico con un recurso visual impactante, a ser posible. 
  2. Decisión. Ante este evento que cambiará la vida de ese personaje antagónico hemos de mostrar qué decisión toma. El mal ocurre, 'shit happens', y ahora ¿qué?
  3. Justificación. Hemos de justificar, y digo JUSTIFICAR todos los comportamientos y acciones del antagonista. Como he mencionado antes, el villano fue protagonista una vez en el pasado, un símbolo de bien y de virtud... ¿Pero cómo leches alguien podría llegar a convertirse en 'esto'? Hay que amarle tanto que debemos justificar por una vía racional (aunque apele a los sentimientos e instintos más básicos) todos sus comportamientos y motivaciones*.
*Como aclaración: No me refiero a manifestar todos y cada uno de los comportamientos y motivaciones del antagonista en papel, simplemente debemos sentarnos a escribir con todos esos deberes hechos, con ese estado de conciencia, y nuestro subconsciente lo irá manifestando mientras escribimos a través de pequeñas acciones, complementos y palabras que irán ornamentando la historia en bruto. Pero, obviamente, al final, hay que tener estos 3 puntos específicos bien claros y mostrarlos, aunque parezcan demasiado 'simplistas'. Posteriormente, estos irán adquiriendo mayor dimensión gracias a este punto de partida y a otros pequeños detalles que emanan de la imagen mental que tenemos de nuestro personaje.


CANON EOS C700: EL GRAN SALTO FUERA DE LA GAMA "COMPACT C'S CAMERAS"

En Canon han estado ocupados últimamente. Hace tan sólo unas pocas horas han anunciado un nuevo producto dentro de las gama CSeries que se desmarca de sus cámaras de cine más compactas: La Canon EOS C700.



Disponemos de alguna información, aunque la C700 será oficialmente expuesta y 'destripada' en el International Broadcast Convention en Amsterdam la semana que viene.

¿Cómo?  ¿Cuándo?... Y lo más importante: ¿Cuánto? Pues la cámara ya se puede reservar, y se estima que serán capaces de comenzar con los envíos en Diciembre. El cuerpo está para pre-order a 28.000 dólares en B&H Photo, aún así, la compañía ha publicado que el precio regular de salida en Diciembre oscilará entre los 35 y los 38.000 dólares (más adelante nos metemos en este tema). A eso hay que añadirle el grabador de uncompressed DCI y UHD 4K, que a ver a cuánto sale la broma.

Con una cámara que, se supone, es la sustituta de la C500 (eso dicen, aunque yo creo que esa sería la C300 Mark II), Canon parece haber dejado de pujar por las líneas C100 y C500, muestra un interés por querer desmarcarse de las "pseudo Cinema DSLRS"; y optar, así, por competir con la línea de las ARRI, concretamente la URSA.

Lo vistan como lo vistan, esta cámara no es nada parecido a lo que han hecho antes, es diferente. Su target y su precio han mutado en algo completamente diferente y pretenden competir con las mini de ARRI y con REDCAM, pero... ¿Estará a la altura?
Por otra parte, tras tanta protesta de millones de consumidores en forums y amenazas de cambios de bando durante años, Canon ha cambiado su política de comunicación externa, modernizando, de esta manera, su imagen corporativa (como muchos otros, 'sí, tienes razón y nos importas'). Ahora se compromete a reemplazar la montura para PL o EF a solicitud del cliente por un módico precio, por supuesto. Asimismo, la marca ofrece adaptadores buenísimos para PL Mounts, así que ¿a quién le importa? En cualquier caso, es reconfortante saber que podremos cambiar de opinión y que 'la casa' siempre se encargará de ello.

¿Más que cambiar? La marca ofrece dos tipos de sensores con esta cámara, una versión avanzada de CMOS Super35mm y el Global Shutter Sensor (o GS), el cual utiliza otro tipo de estructuración de los píxeles, además de tener un sistema de lectura, interpretación y exposición de imagen completamente distinto que elimina distorsiones producidas, normalmente, con el movimiento.

Este es el tema a explicar, la compañía decreta que tendrán disponibles las versiones C700 y C700 PL a 35.000 dólares y la C700 GS PL a 38.000. En caso de cambios de opinión, arrepentimientos, o de que tu abuela te haga un préstamos de los 3.000 que te faltaban inicialmente, Canon compromete a cambiarte el sensor.

Otros puntos fuertes de la Canon C700 son: Su dynamic range (15 stops), su velocidad y sus 120fps a uncompressed stardard DCI y UHD en raw, 60fps si grabas internamente en CF cards, y su variedad de formatos, para llegar a ser, así, una cámara idónea para todas las situaciones y saraos en que te metas.


Entrando en detalles:


  • Super 35mm. CMOS o Global Shutter (a elegir y dan opción de upgrade)
  • 4k RAW (DCI y UHD)
  • 4k interno a tarjetas CFast 2.0 y hasta 60fps en formato XF-AVC
  • Apple 4K ProRes hasta 30fps
  • En 10 bit 4:2:2 2K crop y hasta 180 fps.
  • Para trabajos forzosos y TV transfers 4:2:0 proxi a SD cards en XF-AVC a 2k y 1080p.
  • Dual Pixel CMOS AF (al igual que la Mark IV y la C300 Mark IV, 1D Mark II).
  • Dual Pixel Focus Guide para manual focus.
  • Canon Log 2 y Log 3 con los gráficos correspondientes. Más posibilidades con los Logs...
  • Opción descompresor de anamorfico para soportes y monitores externos. La imagen se alarga a 2.39:1, además de que posibilitan el desactivar los magnificadores para hacer que los objetivos casen.
  • B4 Lens Support Adapters para EF mount y ENG
  • Filtros ND internos
  • Control remoto para asistente de cámara.
  • Power out: 12V y 24V aptos para todo tipo de accesorios.
  • EVF de alta resolución y opción de pantalla para previums.
  • IP Streaming Support, transmisión ultrarápida.
  • Otras pijaditas del diseño del cuerpo...

Aquí os dejo un vídeo promocional. Me encantan los vídeos promocionales...







OPINIÓN PERSONAL

Desde mi punto de vista, las gamas prosumer y profesional de Canon, poco a poco, se están solapando más y más. Y es que hay ciertas opciones que se te quedan cortas en las DSLRs, incluso en las Cseries, cuando cámaras de una gama y prestaciones 'algo más altas' podrían haber solventado el problema... Pero los intermedios parecen no existir para Canon. ¿Quién va a poder acceder a este camarón? Sí es una cámara de cine, y mira que precio (tirada), ¿pero realmente lo es? ¿Estás pagando por un sensor y emulador de cámara de cine digital profesional equiparable a otras del mercado? ¿O ha sido una de esas mínimas variaciones que presentan en bandeja y apilada de ornamentos?

Esta cámara me parece idónea para ulta HD y broadcast, es una cámara ideal por los formatos que ofrece para adaptarnos a todos estos cambios de 'playability' (especialmente con todos los nuevos televisores 4K Ultra mega guays en el mercado), pero dudo mucho que tenga un funcionamiento similar a otras cámaras de cine digitales y que recree los mismos tipos de texturas, de feels. De hecho, muchos pioneros ya se están quejando del precio y de que la calidad de imagen es prácticamente similar a la C300, en fin, ya veremos.

Por ahora, me siento con Canon de la misma forma que con Apple: Desencantada. Es caro y de buena calidad, fueron de los primeros en el mundo DSLR... Eso es indiscutible, lo hicieron bien, pero al pasar esos primeros años de éxito y reinserción en el mercado, han dejado de implementar sus productos de la forma que deberían (cosa que no hacen con los precios); y se van a 'modificaciones facilonas' para los 'semipros' o a hacer cámaras alcanzables para casas de alquiler (desde el punto de vista del precio/prestaciones que presentan).

En definitiva: Creo que, por mucho que pretendan lo contrario, no tienen la transparencia para con el consumidor que sus competencias presentan.

El problema es que no resulta tan fácil divorciarse de esta marca, pues TODO lo que tengo es de y para Canon. Juegan con esa baza por ahora, pero el mercado se mueve mucho más rápido que ellos y eso, a la larga, les costará caro cuando muchos de nosotros, finalmente, encontremos el coraje para migrar a otras marcas de una vez.

¿Por qué es noticia? Preguntaréis... Pues porque, por lo menos, se han dignado a inventar e implementar algo en sus productos esta vez (o eso dicen), tanto en la 5D, como en la C300 y la XC15; y han sacado la C700 que, por lo menos, presume de tener otro sensor y un sistema de optimización de píxeles. Supongo que no es lo que tienes, es cómo lo usas... Lo cual es una vuelta de tuerca, por lo menos. ¡Primera vez en años! Quiero tener fe y creer que, ya que no bajan los precios, los consumidores estamos pagando para que la compañía haga research de verdad, en vez de marketing. No puedo evitar el sentirme escéptica, pues todavía NO HE PROBADO ESTA CÁMARA. Veremos lo que van mostrando en revisiones futuras, pero por ahora: Hasta que no lo vea no lo creo.

¡Para finalizar! Personalmente, me inclinaría a por la C300 Mark II (6.000 y pico dólares) antes que por la C700... Pero es que por una inversión real, me compro la ARRI, tiene más sentido, ¿no? Sí, el slowmo de la C700 es increíble, pero hay otras opciones con la misma capacidad y, si ruedas un videoclip o ciertas escenas en que el énfasis está en la cámara lenta y en que te haga flipar en colores, alquilas otra mejor especializada en eso. Al menos, eso es lo que hago yo.

A lo mejor vosotros pensáis que no tengo razón, en ese caso, cineastas, comenzad a ahorrar ya. No os preocupéis si os arrepentís, que siempre seréis capaces de cambiar lo que queráis con Canon, o en cualquier caso, siempre os podréis comprar un coche por la misma cantidad y amortizarlo mucho más alquilando este tipo de herramientas en vez de comprándolas ;-)

Si os ha gustado este post, a pesar de mis sermones, os aconsejo otro post reciente sobre la Canon 5D Mark II y sus prestaciones.



CRIS WELL ANALIZA EN 15 MINUTOS AL GRAN TARKOVSKY

Fotograma perteneciente a 'Stalker', una película que llevaría a la tumba a todo un equipo de trabajo, al cinematógrafo y, últimamente, al director: Andrei Tarkovsky



Un cineasta digital siempre ha de estar en constante descubrimiento y redescubrimiento, por ello, me gustaría compartir este gran vídeo que analiza las técnicas de Tarkovsky y las principales influencias en su cine. Uno de mis favoritos, espero que os guste.





Cris Well es un cotizado youtuber, académico y estudioso del Séptimo Arte que, sin duda alguna, lidera las listas de canales de Youtube con contenidos interesantes para unos pocos-cuantos fieles y amantes del cine. Si no estáis suscritos a su canal, os lo recomiendo fervientemente.

A pesar de no estar completamente de acuerdo con todas sus observaciones, puedo compartir casi al cien por cien las opiniones de Well, aunque creo que en el punto del sonido se equivoca, pues cierto es que el silencio es una de sus principales características, pero, respecto al punto de resaltar un único sonido (sobre todo agua o viento) tengo mucho que discrepar, ya que, en mi opinión, no es un punto principal de su estilo, aunque llame sumamente la atención. Creo que es un error, es más, me aventuraría a decir que Tarkovsky era un tío tan visual, tan instintivo y visceral, que luego se echaba las manos la cabeza en post y tenía que meter efectos, por lo menos en sus primeras películas. Pero es tan sólo una hipótesis personal, tras haber analizado su vida y su obra. En mi opinión, Andrei tuvo que abusar de foley más de una vez (esto les pasa a todos los directores al principio) y, posteriormente, poco a poco lo utilizaría como licencia dramática. Sé que innumerables académicos opinan de otra manera, mas he de divergir en este punto, pues muchos otros cineastas en la historia que hicieron lo mismo: aprovechar los errores, hacer que estos se convirtiesen, de pronto, en 'visión'.

Como buen ruso humanista y bien instruido (algo común para los pocos afortunados en la Rusia de aquellos tiempos), y como consecuencia de casi dos años postrado en cama durante su infancia (tuberculosis, tuvo suerte el chico); Tarkovsky siempre estuvo obsesionado con la metafísica y la filosofía, lo que le condujo a amar el teatro con pasión... Supongo que tuvo tiempo suficiente para leer a los clásicos e infinidad de historias durante su niñez, además de poder mirar directamente a los ojos a la muerte por un largo periodo de tiempo. Esta experiencia temprana se puede beber y sentir en todos sus metrajes, además de ser, en parte, la causa principal de esa extraña percepción espaciotemporal y saltos cronotopales que el autor tenía.

Es simplemente una hipótesis, por supuesto, pero creo que hay demasiado académico cobrando por explicar a sus pupilos el sentido del aislamiento de sonidos en Tarkovsky, o el significado de 'el tiempo' en su obra, cuando lo que realmente hay que estudiar es su vida y su visión, su imagen, su simbolismo e ideas filosóficas concretas ligadas a este y a la trama global, su expresión de espacio/tiempo, el análisis de la conciencia de la existencia humana por medio de sus personajes y, si lo prefieres, planos ligados a esos momentos en que decide utilizar piezas de música selectas o esos momentos de contraste y cambio en el sonido. Ya me estoy quejando con pedanterías, lo sé.

Por lo pronto, yo siempre me quedaré con su gran (GRAN) influencia 'bergmaniana' en el uso y estéticas de primeros planos y de planos generales pictóricos en los que la naturaleza juega un papel esencial; y con esos largos travellings de meticulosa escenografía y plagados de ingenio. Mis favoritas: Stalker, Andrei Rublev y la Infancia de Ivan.







202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 5)

Volvemos del verano con más consejos de este gran escritor que no para quieto y lanza mensajes de esperanza en las redes sociales: Brian Koppelman. Estos son los siguientes consejos que nos da, ¡Atención!




81. En Hollywood, nadie se levanta por las mañanas preguntándose cómo te puede ayudar. Pero se levantan pensando que desesperadamente necesitan buen material.

82. No hay un 'secreto'. Escribir funciona a base de trabajo duro, persistencia y descubrimiento. El que diga lo contrario es que te está vendiendo algo.

83. Si puedes superar ese maldito mid-point de cualquier proyecto artístico, ya estarás flotando, por lo menos por una temporada, en un mar de inspiración.

84. Aquí te expongo una verdad simple y básica que me recuerdo a mí mismo todos los días: Si escribes una página al día, tendrás tu primer borrador en tres meses y medio, y dos en cincuenta y cinco días más.

85. Una vez has escrito tu primer borrador ya estás en el proceso de escritura, así que lucha por claridad. Aunque tu narrativa suene algo 'opaca' y 'retorcida' en ocasiones, tu prosa ya no debería sufrir por ello. CLARIDAD.

86. La gente se pregunta: '¿Cómo sé cuando mi historia está lista para ser leída por otros?' Bien, esto no es una ciencia exacta. Parte del proceso de escritura es desarrollar ese instinto.

87. Si quieres ser artista, más te vale aprender a decir que NO. No a las tentaciones que te alejan de tu trabajo, a la gente errónea, a tu propio 'yo crítico'.

88. Si sigues sintiendo presión al escribir tu primer borrador, no pienses que es un primer borrador. Piensa que es 'un borrador' a modo de ejercicio, y luego revísalo. Ese será tu primer borrador.

89. Todo lo que quiero decir hoy es: La visión romántica del 'artista brillante, adicto y torturado' es, simplemente, una mentira.

90. Por una semana, contabiliza cuánta televisión ves. La semana siguiente emplea un tercio de ese tiempo en crear algo.

91. ¿Los escritores profesionales suelen sentir que están continuamente dándose cabezazos de pared en pared y que todo lo que escriben es 'inútil'? Por supuesto, pero lo hacemos mientras sentados en nuestro escritorio.

92. Si quieres un modelo de personaje que sea como tu primo, tía, tío, amigo... Hazlo. Ya lo disfrazarás luego, hazles reales para empezar.

93. ¿Y si soy un buen escritor pero detesto lidiar con políticas y burocracias varias? ¿Y si soy un gran nadador pero simplemente no quiero lidiar con el tema del 'agua'?

94. Me estuve torturando a mí mismo por haber pasado el Sábado leyendo todo el día y viendo películas, en vez de escribir. Pero luego recordé: El input es tan importante como el output.

95. No hay una sola actividad creativa que haya probado y no haya recibido reticencia y rechazo de primeras. El truco es ignorar todo eso.

96. El tiempo que te reservas para sentarte y crear es una de las pocas cosas que puedes controlar. Por suerte, este es también el factor más importante para ejecutar y acabar las cosas.

97. Te prometo esto: Si escribes todos los días, en un año, serás mucho mejor escritor de lo que eres ahora.

98. El guión no es una competición, pero alguien ahí fuera no se siente intimidado por las probabilidades, escribir todos los días, y soñar en llegar alto. ¿Puedes ser tú?

99. ¿Debería hacer una escaleta o no? ¿Qué género? (...) La única pregunta que te debes hacer es: ¿Qué puedo hacer hoy para conseguir llegar a ese estado mental para crear?

100. Di la verdad. ¿El talento importa? Por supuesto, pero tengo buenas noticias para ti: El talento va retirando sus velos a lo largo de los años.

BONUS EXTRA
101. Paseando por una librería me di cuenta que todos y cada uno de los autores en las cubiertas tuvieron que la siguiente revelación y tomaron una decisión personal que cambiaría su estilo de vida: Eran escritores. ¿Estás listo para ello?


Muchas gracias por leerme. Podréis deleitar vuestras mentes con las partes 1234, 6 y 7  pinchando en los links. Todos los 'Shares' son profundamente apreciados y bienvenidos, sobre todo en Pinterest y Facebook.

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/



CANON 5D MARK IV: LA CÁMARA MÁS ESPERADA DEL DECENIO

Tras años y años de espera, los canonistas más exigentes podrán disfrutar de la aclamada Canon 5D Mark IV. A pesar de que la casa no ha comunicado oficialmente una fecha de lanzamiento en España, sabemos que a partir del próximo mes de Septiembre ya se encontrará disponible en USA.




Ha pasado ya mucho tiempo, discusiones en foros, rumores varios... Los profesionales de la DSLR demandaban 4K en la gama de las 5D, sensores más avanzados, mayor calidad de imagen a altos ISOS, conexión rápida de dispositivos, GPS y sobre todo una opción de autoenfoque que, de hecho, funcionase.

Pues bien, esa es, a grandes rasgos, la descripción de esta maravilla de Canon, que ya se puede reservar online por $3,500 aproximadamente. Apta para cineastas independientes, pero especialmente jugosa para documentalistas, fotógrafos deportivos o de eventos varios y amigos que tengan que lanzarse a lo 'gorilla style' a rodajes llenos de incertidumbre... Y ahora explicaré porqué.

El principal carácter diferencial de esta cámara es que, además del poseer un sensor algo mayor y algo más evolucionado (aunque de la generación Digic 6+ al igual que la 1DX Mark II); tiene un fotosensor incorporado (o un Digital Lens Optimizer, como lo llaman) de mayor sensibilidad que asiste en la grabación.

Desde el punto de vista de una humilde servidora, Canon parece haberse inspirado en la tecnología 'Ray Field' de las cámaras Lytro (pioneros en esta iniciativa), gracias a la cual se graban también la luz incidente y reflejada para hacer un balance y reelaborar parámetros en caso de información de foco 'perdida' (o eso venden, no dan mucha información al respecto).

Por lo que sabemos, ellos llaman a este nuevo sistema de doble grabación en bruto 'dual pixel RAW', y prometen a sus consumidores una mayor precisión y rapidez de autofocus, además de la oportunidad de poder arreglar errores y suavizar flares, o de ajustar preferencias de foco en post. Por desgracia, esta opción se aplica únicamente a imagen fija, en fin, era de esperar (aunque luego os cuento algo más en este aspecto).




Otras ventajas añadidas: wifi, más formatos de grabación, slow motion a mayor definición, 3200 ISO sin grano alguno (a ver si es verdad); mayor dynamic range a altos ISOS, un control innato e intuitivo de la cámara por medio de smartphones, un motor circular que proporciona un sistema de balanceo del espejo para aportar mayor velocidad y evitar la vibración interna del obturador (lo cual da lugar a un menor grado de aberración tanto en imagen fija como en movimiento); rediseño de los botones y del cuerpo... ¿He dicho ya GPS?

Perdiendo peso y ganando figura, settings y velocidad, la Canon 5D se ha regenerado, recopilando en una sóla cámara todas las características de otros modelos más contemporáneos de la marca... Y 4K, que ya era hora, no es por nada.

No, Canon no me paga y expresaré mis impresiones.

En principio: Sistema de tarjetas SD y Flash... Ahí ya me han matado, pensé que además del transfer por wifi (que esto a ver si es también para vídeo en 4k, lo dudo); me habría gustado que hubiesen incluido algún elemento externo o un grip que capturase en full 4K, para tener así la menor compresión posible en esos momentos en que realmente lo necesitase.

Por otra parte: Esto de 'El Revolucionario Sistema Dual Pixel RAW' suena interesante, diferente, no sé... Aunque la realidad es que, mientras otros están avanzando y arriesgándose en innovar, este no ha sido un movimiento tan 'visionario' por parte de Canon. Seamos claros: No es que hayan inventado otro sistema de grabación, o que se doble la información de los píxeles y se extienda, o que haya un sensor múltiple (...) es que, simplemente, han sacado 'algo' que graba la misma cantidad de información de otra forma 'fraccionada' (por llamarlo de alguna manera) en el mismo espacio y con la misma calidad que lo harían otras. Nada de malo en ello, es un buen sensor, pero es que es el mismo y no se ha elaborado especialmente para esta cámara (que conste).

Respecto a la sensibilidad del sensor, nosotros, que compramos estos aparatejos, a veces tenemos que trabajar sin suficiente luz, o con menos de la que nos gustaría, y habrá que ver más revisiones para comprobar si realmente está a la altura de lo que llevan prometiendo desde el 2012. En fin, no la he probado todavía, pero esperemos que 'cumpla' en este aspecto. Por ahora, mi mente sigue entonando este mantra:

¡Bienvenidos a Canon!

Sacan un buen producto y el resto de updates son réplicas hechas con los mismos materiales y diferentes versiones del mismo software.

*(Ojo, que todo esto está sujeto a cambios, cuando la pruebe, si me equivoco, eliminaré este comentario)


Pues sí, desde mi punto de vista, estos de Canon han implementado el funcionamiento de un sensor que ya utilizaban y han programado el software para que, cuando se grabe en esta modalidad, los píxeles se dividan en dos (supongamos sectores A y B), grabando la imagen y la información lumínica por separado...

Vamos, que esto ofrece una solución para manipular ciertos aspectos sobre los que antes no teníamos control en post (enfoque de ojos sobre todo). Así, esta cámara cumple y es una ayuda, pero la magia no existe. Esta función es sumamente útil y nos sacará de algún apuro (sobre todo a fotoperiodistas o fotógrafos de eventos), pero a su vez, todo parece un 'parche' para un problema, mientras que el otro conflicto principal del usuario de DSLR que graba vídeo, no ha sido escuchado, realmente.

Lo que sí es cierto es que necesitábamos un update, y que está claro que es mucho mejor que la Mark III. Definitivamente, va a ser una herramienta indispensable para fotógrafos y para aquellos que no quieren tener una cámara semiprofesional y que no pueden adquirir (o no les compensa) una de las C series. En cualquier caso, apreciamos que hayan escuchado a sus consumidores durante 4 años y que, finalmente, hayan sacado un producto con la mayoría de las demandas mencionadas en los foros, lo cual es bastante.

Yo subrayaría ese nuevo motor para el obturador. Creo que ese ha sido el mayor avance, la apuesta real de Canon (aunque no es lo que están vendiendo) y se 'hará notar', sobre todo en tomas de cámara al hombro o panorámicas. Esa sí que es una novedad, y por eso preveo que, para documentalistas y videógrafos de 'guerra y trinchera' (sea cual sea el evento a cubrir), esta cámara puede que sí va a marcar un antes y un después.

Más información sobre atributos específicos visitad su web. Para los más inquietos que han sobrevivido a este post, aquí tenéis un croquis con la comparación de la 5D Mark IV y la Mark III:
Tabla publicada en por Canon.

Si te ha gustado este post no te pierdas Una nueva forma de hacer cine: La llaman Lytro y mi post sobre la nueva Canon C700



HASTA LA PRÓXIMA, ¡PLEASE SHARE!

VIDEOS Y TUTORIALES ESENCIALES: CROMA KEY

Caminando por la web, paseando mi ratón, me topé con un vídeo bastante útil y sencillo, que nos aconseja cómo iluminar y grabar escenas con croma.


El tutorial ha sido realizado por Falco Films y compartido por muchos, no obstante, me pareció instructivo para todo el que se inicia o se lanza a la aventura del croma key en proyectos menores (sin un gran equipo o la posibilidad de contratar a una persona que realice el trabajo por ellos) y, por esta razón, he querido compartirlo con todos vosotros aquí.

En un mundo perfecto os desentenderíais y todo saldría a la perfección, pero lo normal es que, a no ser que dirijáis una producción de media o gran embergadura, tengáis que salvar el día vosotros mismos más de una vez, aunque sea tan sólo por ahorrar en iluminadores y gaffers para el B-roll...

Así que, os guste o no, aunque seáis directores de actores o 'tan sólo os apasione mover la cámara', tenéis que saber sobre efectos especiales, tenéis que comprender la iluminación de lo más básico que es la preparación y grabación de 'green screen'.



Si empaparos del tema al detalle, os aconsejo que, antes de nada, os hagáis con uno de los mejores cursos directoriales que he encontrado en el mercado: Hollywood Camera Work.

El paquete de tutoriales se compone en cuatro asignaturas, horas y horas de material (con ejemplos, detalles concretos de ejecución y diferentes situaciones), que se dividirían en: Dirección de actores, blocking y staging (dirección de escena), movimientos de cámara y efectos especiales (si no recuerdo mal, lo hice hace bastante tiempo ya ;-). 

A pesar de todo, y de que ha habido significativos avances en el campo de special FX, para lo más usual en producción, que se sigue haciendo igual, nos vale.

¡100% RECOMENDADO!
(no, no me han pagado, ojalá... Es, simplemente, uno de los cursos de pago más asequibles y completos que he hecho y considero que ha de estar en la caja de filmmaking tools de todo cineasta digital)

202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 4)

No hay consejos que valgan, a pesar de que todo deseo de buena ventura, ayuda, pauta es un bien apreciado y codiciado en el 'Mundo del Contador de Historias', independientemente del campo al que uno se dedique. Por eso aquí os expongo 20 consejos más de Mr. Koppelman. Espero que os inspiren y que induzcan vuestra motivación y la creatividad. ¿Empezamos?



61. Si te sientes ofendido por la reacción de alguien respecto a tu obra, conviértelo en tu combustible, al igual que todo escritor en la historia de la humanidad.

62. Pero... ¿Y si me siento hoy y no tengo absolutamente nada que escribir? Bien, piensa en la última discusión que hayas tenido con alguien y escribe esa escena.

63. Es más fácil lidiar con asuntos si eres capaz de anticiparlos. Así que debes asumir que en algún lugar, hacia la mitad de tu guión más o menos, vas a llegar a un punto en que, realmente, pensarás que es inútil continuar y, ante esta situación, vas a tener que luchar más que nunca.

64. A veces estás atascado porque no sabes qué es lo próximo que se supone que ha de suceder en tu historia. Este es mi truco: Haz este ejercicio, piensa en qué podrían hacer, hipotéticamente hablando, tus personajes tras esa escena y escríbelo aparte.

65. Nadie elige convertirse en escritor, o cualquier otra disciplina artística porque es fácil. Lo haces porque tienes que hacerlo.

66. ¿Crees que escribir es una profesión solitaria? Sí, pero vale la pena por esos momentos en que el sujeto trasciende el espacio tiempo, cuando las horas desaparecen y te sientes conectado al 'TODO'.

67. Entonces, ¿qué es más importante?, ¿la inspiración o la disciplina? Honestamente, necesitarás usar las dos al 100%.

68. La primera vez que obtuve una muy mala crítica por mi trabajo casi me hizo dejarlo todo. Después me di cuenta de que si volvía rápidamente a crear de nuevo, podría sobrevivirla.

69. Si vas a convertirte en un artista, cualquier tipo, tienes que saber ver que es prácticamente imposible obtener éxito y, después, ponerte a trabajar como si supieras, en tu interior, que lo vas a alcanzar.

70. En mi opinión, las 'entregas' y fechas límite fijadas e impuestas por uno mismo son increíblemente útiles porque te impulsan a que sigas adelante. Ahora, asegúrate de que son realistas (o todo se va al garete).

71. No compartas tu borrador con nadie hasta que no puedas pensar en más maneras de arreglarlo, mejorarlo e implementarlo por ti mismo primero.

72. Piensa en el gozo que tu/tus artistas favoritos provocan en tu ser. Ahora imagina como sería si tu trabajo pudiese hacer lo mismo por lo menos por una sola persona... Y manos a la obra, a ejecutarlo.

73. Pero... ¿Cómo sé si no estoy realmente perdiendo mi tiempo con un proyecto? ¿Cómo puedo saber si lo que estoy haciendo es mínimamente bueno? Nadie lo sabe, hazlo igualmente, sigue con ello.

74. Los artistas profesionales no esperan crear piezas de calidad de museo sin hacer borradores de su nuevo proyecto. Lo que quiero decir es que lo único que quieren es ser capaces de rellenar y 'vomitar' eso que tienen dentro en el lienzo.

75. ¿Es posible que no vendas esa novela en que estás trabajando, o ese guión, esa pintura en que estás trabajando?  Sí, oh yeah! ¿No es emocionante que lo estás haciendo igualmente?

76. Tu imaginación es más poderosa que cualquier crítico, agente, o directivo de este mundo.

77. Los mejores jugadores de la NBA no lanzan el balón de la misma manera, todos ellos tienen su estilo y su técnica... Simplemente asegúrate de que metes la bola en el aro por favor.

78. ¿Qué hacer todos los días contigo mismo en tu espacio de trabajo?... Yo escribo mi diario, medito, me pego largos paseos.

79. Si la regla número uno es 'escribe todos los días', la regla número dos es 'toma retos creativos'. Hasta si fallas con estos, siempre te harás más fuerte.

80. La próxima vez que alguien se ría de tus sueño, recuérdales que Paul Haggis escribió Crash y fue rechazado una y otra vez durante cinco años (al igual que miles guionistas de cine y TV en Hollywood vaya).


Muchas gracias por leerme en estos calurosos días de verano. Podréis leer las partes anteriores (1, 23), así como las partes 5, 6 y 7pinchando en los links correspondientes. Como siempre, los 'Shares' apreciados y bienvenidos, sobre todo en Pinterest y Facebook.

Por otro lado, me disculpo por no haber publicado nada estas dos últimas semanas, lo cierto es que mi calendario está repleto y no he encontrado tiempo, pero os prometo dos posts extra durante las próximas dos semanas.

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/







6 CONSEJOS PARA REESCRIBIR TU HISTORIA

REESCRITURA, esa palabra que resuena en nuestras cabezas como un credo, como un canto gregoriano que no cesa de implorar perdón y amparo, como la invocación del mismo diablo por medio de palabras negras que tintan las noches de luna llena.

Ese es el primer paso...


Poemas aparte. Sí, la reescritura es aquello que trasciende, la parte más intensa del proceso de escritura que consume al escritor, la clave de todo. Aquello que eleva nuestra historia más allá y la convierte, finalmente, en un 'acto pleno'.

Ante esas situaciones de angustia e incertidumbre, he decidido enumerar algunos trucos que pueden servir de guía o, por lo menos, dar algunas ideas sobre qué hacer cuando se nos atasca un proyecto o nos sentimos perdidos y desconcertados.

1. IMPRIME TU BORRADOR: CORRECCIONES Y ANOTACIONES EN MÁRGENES. 


Tras tu realizar un borrador completo (no sólo partes o borradores a mano alzada, como los llamo yo, tiene que ser algo que ya haya pasado un filtro por lo menos); imprímelo y realiza las correcciones pertinentes.

Este es el momento de comenzar a recordar y aplicar las tan amadas teorías de muchos. Algunos de los factores que suelen fallar son el exceso de diálogo, la ausencia de realismo (bien porque no se muestre causalidad suficiente o por ausencia de ella), las funciones de cada uno de los personajes y sus léxicos específicos...

En definitiva: Mira qué puedes cortar, qué no se entiende, qué personajes dirían qué y si es coherente con los arcos de transformación que van de la mano del arco principal de la trama.

... Y esto es lo que hacemos cuando no IMPRIMIMOS nuestro trabajo para revisarlo

Suena fácil, sí, aunque mi principal consejo es: IMPRÍMELO. Necesitas tener una hardcopy. Te sorprendería saber la de proyectos que se atascan porque la gente se 'empeña' en trabajar en el ordenador, de verdad, no se tiene la misma visión ni se presta el mismo tipo de atención. Deshazte de la luz artificial en tus retinas e intenta buscar esa luz que nos otorga la naturaleza, ese iluminismo que nos permite observar y crear belleza.

Dejémonos de ñoñerías, ahora en serio, puedes tener el ordenador a un lado para hacer Command+F (o Ctr+F, como quieras), para buscar palabras específicas o partes en páginas de Final Draft, Scrivener, Pages, Adobe Story... Pero te recomiendo que intentes ceñirte al texto material y lo imprimas en una cara, para poder hacer todas las anotaciones necesarias en la otra y ordenar la historia, además de tu mente. Eventualmente, ya podrás proceder a sentarte, realizar las correcciones una a una y reeditar tu obra.

2. NO, EN SERIO, CONTRATA A UN EDITOR QUE TE AYUDE A REESCRIBIR. 


Hagas lo que hagas con tu primer borrador, si realmente estás trabajando de forma profesional, ten un dinero ahorrado para este paso. El editor hará anotaciones de diálogo y acción, pero sobre todo impulsará tu historia desde un punto de estructura y te ayudará a darle ese 'ethos' necesario.

No hay nada de qué avergonzarse... I feel your pain my friend

Un editor te dirá qué funciona y qué no, te hará un desglose detallado y, si puedes, le abonas una cantidad extra para que te ayude a reescribirlo o te reescriba parches para esas partes más difusas, para que te añada esos elementos que faltan.

No me canso de decir esto, hasta en novela: Las mejores obras literarias de la historia –y si te disgustan los más clásicos, piensa en novelas de Stephen King, me da lo mismo– han sido reescritos con ayuda. La figura del escritor solitario es cierta hasta cierto punto. Estos trabajos que han ido más allá y en los que tanto la historia como la narrativa y la exposición llegan a romper moldes y a ser, en su totalidad, brillantes, han sido reescritos o objeto de colaboraciones varias. Esas obras de arte son las que realmente plasman una delicia para los paladares de todo lector de principio a fin, y eso, amigos míos, creo que es el fin último de todo escritor.

No te avergüences, ahorra y llama a un profesional. Esos a los que llamamos genios tienen sus momentos de brillantez pero los milagros no existen. De hecho, cuando estos escriben proyectos personales sin ayuda, suelen pasar inadvertidos, pues como comúnmente se dice 'no era tan bueno como pieza global, tan sólo un enjambre de momentos interesantes, luces estelares apareciendo entre momentos de oscuridad, en definitiva: Tampoco era para tanto'.

Para todo eso, amigos míos, tenemos a los editores, los milagros no existen.


3. CONTRATA A UN COPY-EDITOR (NO, NO ES UN BLOGGER)

Sí, esto suena a blog, pero no es así. En inglés la expresión 'copy writer' se ha utilizado siempre para designar a aquellos que releen, reescriben y corrigen palabras o expresiones, a la vez que maquetan la pieza de acuerdo al formato. Así mismo, también son aquellos que acortan texto y se fijan, principalmente, en el ritmo y en la longitud de palabras y párrafos para que estos vayan acorde a lo que se cuenta, al género, y sobre todo, que se facilite la lectura, utilizando siempre el vocabulario adecuado a lo que se está escribiendo.

Editores, esos sastres del párrafo sin los que no podríamos vivir

En caso de tener una estructura perfecta o de saber cuáles son tus limitaciones como escritor, tal vez lo que necesites más sea el perfil de un copy-editor para tu reescritura, sobre todo si sufres de ADHD o patologías similares.

Los empleados del mundo editorial suelen incorporar estas dos vertientes, pero los hay que tienden más a una o a otra; los que participan activamente en el proceso creativo o los que son nulamente creativos, pero que son ideales para todo ínfimo detalle, desde ortografía hasta expresiones, sinónimos o léxicos adecuados a tu obra y al género. Efectivamente, el perfil de este individuo suele ser más lingüístico que literario, no obstante, ambos tipos suelen conocer el mercado igualmente, por lo que serán de infinita ayuda.

La actividad editorial puede ser realizada por cualquier autor, ciertamente todos nos 'autopublicamos', pero es muy recomendable coger a alguien profesional que 'objetivamente' vea si algo es necesario o no, o si tu trabajo realmente está lo mejor expresado que podría llegar a estar.

4. QUERIDO AMIGO ESCRITOR: ¡AYUDA!


Sí, si no te apetece o no puedes pagar a un 'reescritor', a un editor que te arregle el desastre de borrador bruto que has rumiado durante meses, llama a un amigo escritor (todos tenemos, por lo menos, uno) y coopera ofreciéndole algo más simbólico. Pero por favor, págale, que es un escritor profesional como tú.

Si realmente tienes química con algún compañero de profesión, úsala, a veces esto funciona mejor que contratar a un editor, aunque recuerda asegurarte de que tu compañero ha trabajado con anterioridad en editoriales o no es ajeno a ese mundo (suele ser común, aunque en estos tiempos de internet tan nuestros TODO EL MUNDO ESCRIBE, no te vale 'cualquiera' ¿okay?).

Tu amigo escritor te puede ayudar tanto con reescritura de estructura como con copy-editing.

Algunas plataformas de ficción y narrativa en Español

Si, por otra parte, no tienes amigos escritores, o no te quieren ayudar ni por un dinero simbólico (lo cual a veces ocurre), siempre existe la opción de buscar comunidades de escritores para cooperar e intercambiar servicios con ellos, favor por favor, palabra por palabra.

Además, aprenderás sobre infinidad de temas y tus defectos gracias a nuevas páginas interactivas en la red que posibilitan la exposición de tus trabajos y escribir ONLINE con otros escritores. Tanto si prefieres hacerlo en 'vivo', como en 'diferido', en este tipo de sites la gente siempre sigue tu productividad y va leyendo, opinando o incluso reescribiendo contigo.

Desgraciadamente, estas páginas suelen ser para un público anglosajón, lo cual no soy capaz de entender, pues el Español es el segundo idioma más hablado del mundo. En cualquier caso, puede que uno de los motivos esté directamente relacionado con los patrones culturales de nosotros, los hispanohablantes, que tendemos a deshilachar, resquebrajar y aniquilar obras de otros por medio del critiqueo y no solemos ser muy proactivos con eso del trabajo en equipo.

¿Algunas plataformas a utilizar? Medium, por ejemplo, comenzó con esa premisa, al igual que Reddit (aunque este último ha mutado en otro tipo de contenidos). En español sólo se me ocurre Nanowrimo, Café de Escritores, Club Dante, Hi (esta última está en inglés pero es ideal para conectar con otros y mandarles tu material).

Si lo que te va es el inglés o pretendes comenzar a colonizar el territorio, te recomiendo personalmente My Write Club, un site en que te meten presión para seguir un calendario y un ritmo de trabajo, además de facilitar que otros escritores sigan tus avances, vayan leyendo capítulos o materiales, abran foros de opinión, etc. etc. ... Aunque, si esto te da tanto vértigo como a mí y quieres mantener la privacidad de tu obra, siempre puedes estar de incógnito.

Otras plataformas que recomiendo para estados más avanzados en tu obra son Goodreads y Wattpad (aunque este último no me motiva demasiado y a veces no funciona correctamente, o deja publicada por defecto tu historia inhabilitando la opción de 'borrar').

Este tipo de sitios web son idóneos para aquello que voy a exponer en el siguiente punto...

5. EL FEEDBACK DE ORO: CONVOCA A LECTORES BETA

Con internet ya no hay excusa. Este punto es importante si no tienes editorial y no eres conocido, lo cual nos pasa a todos realmente. Por lo demás, es esencial que escojas o tengas acceso a lectores especializados en tu nicho, bien sea en fantasía, ciencia ficción, terror, thriller. Deberás encontrar lectores especializados, sea cual sea tu género, y si hablamos de biografías o novelas de testimonio, más razón aún.

Aquellos que leen todo lo que existe sobre un tema particular son tu santo grial

Necesitas asegurarte de que aquellos que leen TODO LO QUE EXISTE sobre ese género o expertos en el tema específico tratado en tu libro no tengan objeción alguna y, en definitiva, amen tu obra. En caso de insatisfacción, abre un foro, realiza un evento en Hangouts o tómate un café con estos 'Mr. betas' y que te cuenten. Pide abiertamente que te expliquen y digan qué falla y todos los porqués imaginables.

Si lo que tienes es un guión, o una biblia para una serie, tu campo se va a tornar obtuso y rocoso, pues realmente necesitas lectores profesionales, ya que NO TODO EL MUNDO –Y NOS REFERIMOS AL LECTOR COMÚN– TIENE LA CABEZA LO SUFICIENTEMENTE AMUEBLADA PARA LEER UN GUIÓN, ENTENDER ACCIONES O INTERPRETAR DIÁLOGOS, Y MUCHO MENOS PARA VISUALIZAR UN PROYECTO. (Me disculpo por el exceso de mayúsculas, necesito que este punto quede claro y no tengo tiempo de explicar todos los motivos del argumento).

En ese caso, recomiendo ir a universidades o institutos de creación y artes audiovisuales en que se ofrezcan doctorados o masters en Filología o Escritura, para pedir a los estudiantes que colaboren contigo, que lean tu trabajo y te digan lo que piensan sobre cada punto a tratar a cambio de otros favores (prácticas, contactos, tutorías, correcciones en sus proyectos, etc.)

Un aviso: Has de ser selectivo con estos lectores, no olvides que quieres escoger a gente especializada en el tema, ambiente, o género tratado en tu historia.

Hala, ahora a reescribir. Si hay discrepancia alguna con algo ofrecido por el editor profesional, es hora de negociar un poco, pues tal vez ciertas sugerencias no han funcionado o desentonan con el tema tratado. En estos casos, los fallos suelen ser, sobre todo, en tecnicismos, algún patrón en el sistema que desconoces y vocabulario. Otras veces, estos escritores Beta te dan ideas para ciertas descripciones que no estaban y que la gente de ese nicho ADORA, o para aclarar algo que le haya podido pasar a algún personaje y se te había pasado por alto.

6. PRUEBA DE FUEGO: LECTORES DE PRUEBA.

Ya estamos con el trabajo 99% terminado, es hora de probar con otros que, a pesar de no caer en la clasificación de 'especialistas' o no llegan a mostrar obsesivo fanatismo en el tema o género, son fans y lectores asiduos de ese tipo de historias. Este paso se puede solapar, en ocasiones, con el de lectores beta, ya que, ciertamente, puede ser complicado encontrar de golpe a veinte personas dispuestas y comprometidas a leer tu trabajo y a explayarse con explicaciones y feedback.

En cualquier caso... ¿Cómo llegar a estos tipos? ¿A estos devoradores de libros? ¡@@INTERNET@@!

Por desgracia depende del escritor, cuantos más seguidores, lectores y opiniones, más fácil será elaborar propuestas a editoriales de renombre. ¡Tú decides!

Métete en un forum de ficción o de lectura, crea tu página y publica tu libro en formato pdf por un tiempo limitado. Tienes que mentalizarte de que nadie te conoce y has de gritar al cielo, has de hacer una llamada a la acción. Esto suele funcionar, sobre todo con la Sci-fi Fantasy, Terror y el Romance. No es que deje de funcionar con otros, es que con otros temas como podrían ser Thrillers, Dramas Épicos, Testimonios, Deportes, Biográficos, temas selectos varios (...), hay que cavar más profundamente y encontrar esos foros y comunidades online para conectar con ellas.

Así mismo, si no has encontrado un forum en la red sobre ese tema o nicho, hay otros tipos de actividades que has de poner en práctica, como por ejemplo crear un evento en un centro cultural, hacer entrevistas a doctores en la materia y ofrecerles tu trabajo final para que lo disfruten y compartan; o pedir ayuda a un organizador de libroforums (que gracias a dios están muy de moda en librerías hoy en día... Sobre todo en zonas hipsters inundadas de cafeterías.)

Por último, si realmente tienes algún familiar que sea un ferviente lector, puedes incluirle en la lista. Ten en cuenta su criterio y, sobre todo, que sea honesto. Como siempre digo: El amor es muy malo para estas cosas...

Empápate, observa lo que tus lectores dicen. Esta fase se puede utilizar como referencia para editoriales o como una precampaña de lanzamiento, como una herramienta para detonar ese seguimiento de tu perfil como escritor y de tu obra. Te otorgará seguidores, además de asistirte en esos últimos retoques, en ese momento en que, por fin, un escritor pone 'la guinda del pastel'.

MUCHAS GRACIAS POR LEER MIS POSTS EN CINEASTA DIGITAL. ESPERO QUE OS HAYA SERVIDO DE AYUDA.

¡ÁNIMO!

COMO SE DICE EN HOLLYWOOD: 'WRITING IS REWRITING'


202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 3)

Sé que me he centrado más en las lecciones de Koppelman últimamente, pero veo que a los lectores les gusta y quieren saber más, por ello, aquí lanzo, por tercera semana consecutiva, otros 20 consejos de este animal del storytelling. ¡Que los disfrutéis!





41. No conozco a ningún escritor profesional que te diga 'ha sido fácil', vale la pena recordar esto. Es difícil para todos y cada uno de nosotros.

42. Los mejores escritores que conozco se dejan llevar por su curiosidad, y la persiguen hasta que encuentran esa historia que quieren contar.

43. La resistencia es la mejor amiga del escritor. Entrena como un corredor de maratones (o como un boxeador diría yo), llega a hacer un poquito más cada día, tiene que doler (y te vas a meter unas cuantas leches).

44. El fracaso es una parte inmensa en el interior del escritor, en su vida, por ello, deberás redefinir el término, de manera que esas páginas diarias sean tu éxito.

45. Los mejores momentos en mis sesiones de escritura son aquellos que vagamente recuerdo. Es como si hubiesen sido un sueño, pero la única forma de ganar es 'moler' todos los días.

46. Entonces, ¿cuál es el truco para encontrar un agente que me abra camino? - ¿El truco? No dejar que eso te distraiga.

47. Si estás intentando decidir qué escribir y una de esas ideas te asusta porque no sabes qué pensará la gente... Sin duda alguna, escribe esa misma idea.

48. El perfeccionismo puede ser una facultad más que necesaria en la última fase de escritura, pero en los comienzos (primeros borradores y gestación), es un 'cortarrollos', mata ese momentum tan necesario en la creación.

49. Cuando homenajeamos a esos 'risk-takers' que eligen las opciones más arriesgadas, nos referimos a esos que suben montañas y se tiran en coche por un barranco, pero nos olvidamos de los creativos, estos no distan demasiado y tienen el mismo coraje.

50. Consejo para aquellos que están estancados: Para ya de mirar la pantalla del ordenador, apágalo y ponte a escribir en papel o, si lo prefieres, haz grabaciones de voz. En serio, esto es imprescindible.

51. La mayoría de la gente pasa la mayor parte de sus días sintiéndose comprometidos con lo que les rodea. Así que piensa en tu 'escritura' como si fuese un compromiso más de ese día.

52. Cuando digo que escribas sobre eso que te apasiona, es simplemente, porque es más fácil ir a la oficina cuando ese trabajo al que dedicas tantas horas de tu tiempo, realmente, te fascina.

53. No te tiene que gustar eso que escribes todos los días, simplemente tienes que hacer acto de presencia enfrente de tu ordenador (o tu portátil) y escribir. TODOS LOS DÍAS.

54. Cuando te lanzas a un proyecto creativo personal, descubres que los que te rodean se muestran especialmente críticos, recuerda: El problema es suyo, no tuyo.

55. Si únicamente tienes una hora al día para escribir, míralo desde una perspectiva positiva. Al menos tienes una hora, de hecho, esto hará que te concentres mucho más en lo que haces esa hora y dará mayor fruto.

56. ¿Tengo que mudarme a L.A. para ser, formalmente, un guionista profesional? ¿Tengo que ser alto para jugar al baloncesto? Pues no pero mejor ponte a trabajar como un perro para dejar al resto atrás.

57. Cuando digo que no soy presa del perfeccionismo, no quiero decir que hay que bajar los listones de calidad. Quiero decir que no se usen listones como excusa perfecta para no escribir (o no acabar y seguir mareando el trabajo ya hecho sin motivo alguno).

58. Esto, lo subrayes o no, se trata de si te sientes a gusto con ese nivel de incertidumbre, lo cual responderá esa pregunta de oro: Si esta carrera es realmente para ti o no.

59. Recuerda esto, y tatúatelo en el pecho, cerca del corazón: Hay dos borradores, el primero que te escribes para ti, y el segundo que es el que preparas para los demás.

60. Muchos de nosotros tenemos el 'defecto del jugador', ese que se basa en el extremo entusiasmo sobre algo que y vamos a por todo, pero que, al final, todo se deshincha o ese acto nos lleva a la perdición, interponiéndose así en nuestro trabajo. Encuéntralo y enciérralo en un cajón.

Muchas gracias estar ahí una semana más. Para los nuevos, os invito a que leáis las partes 1245, 6 y 7  de 202 Consejos de Brian Koppelman. 'Shares' apreciados y bienvenidos.

¡La cuarta entrega llegará bien prontito! Paciencia, que tal y como lo he planificado son muchos posts y no puedo hablar de Mr. Koppelman todo el santo rato :-P

¡Muchas gracias!
Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/

202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 2)

Seguimos con el listado de consejos de Brian, esta vez hace especial hincapié la protección de tu idea y de tu tiempo de escritura. ¿Os atrevéis a leer más?


Siguientes 20 consejos de Brian Koppelman: 

21. No te puedo enseñar a escribir buen diálogo o a construir un personaje. Ningún experto puede. Has de amar la escritura hasta tal punto que estés dispuesto a descubrirlo por ti mismo.

22. Toma nota: Sea cual sea tu película favorita, el creador de esta se sintió profundamente perdido en algún punto del proceso.

23. Si no puedes progresar más en tu guión hoy, escribe un ensayo, un ejercicio, desecha tu historia cuantos días quieras pero genera páginas todos los días.

24. Cuantos más beats y reglas estés aplicando y tratando de recordar, peor será tu situación para crear una fluidez de trabajo en ese proyecto específico. Simplemente escribe...

25. Siempre que escribas hazlo para y por ti mismo, pero no seas demasiado pretencioso o indulgente, ten una imagen de una audiencia más o menos determinada en tu cerebro y escribe por ellos también.

26. Intenta escribir tu primer borrador a toda pastilla para que las dudas no te devoren, no dejes que se anclen en ti.

27. Una apreciación personal: He notado que los escritores primerizos escriben personajes más estúpidos de lo que son en su gestación, los pros escriben a personajes que parecen más listos de lo que son.

28. El aspecto 'realista' representado por algo llamado amistad y que informa al escritor sobre las verdaderas posibilidades de éxito, sobre la improbabilidad de conseguir tener ese guión relatado en imágenes. Apaga ese interruptor, olvídate, no necesitas eso.

29. No te pongas tanta presión al la hora de retratar personajes 'que gusten', 'vendibles', como lo quieras llamar. Deja que el desarrollo de la escritura haga su papel y limítate a escribir personajes fascinantes y que nos importen.

30. Ya sabes como contar tu historia. Piensa una que funcionó, que te hizo comprar una entrada o llevar una cita, e intenta deducir los porqués

31. No hay ejecutivo en Hollywood que sepa qué audiencias querrán ver qué el año que viene. Así que escribe eso que te gustaría ver a ti.

32. Los escritores buscan razones para no escribir, así que haz una lista con todas las razones que te inventas o que 'realmente crees que tienen peso'. Vale muy bien, ahora coloca esa lista al lado del ordenador. Estará ahí todos los días.

33. Si te encantan los blockbusters o películas palomiteras, deberías tratar de escribirlas; pero si amas o te sientes más identificado con películas modestas o independientes, escríbelas. (Escribe lo que quieras ver aunque te hayan enseñado lo contrario vaya.)

34. Hey, ¿no es cierto que estás llenando de expectativas irreales las mentes de esas audiencias? Eso espero. Por eso el escritor ha de tener siempre expectativas irreales.

35. Proteje tu 'tiempo de escritura', haz rituales cada vez que te pongas. Puedes ir a dar un largo paseo antes de sentarte, luego preparar 'el café', 'tu café', quemar un incienso que te guste, hay gente que utiliza gongs o campanas y se sienta en su silla favorita. Creatividad, lo que te hace ser tú, a modo de: ahora, tras hacer 'esto', me siento y, sistemáticamente, tengo mi momento de escritura.

36. Escribir un primer borrador es una de las cosas más sensibles que se pueden hacer. No te sabotees a ti mismo hablando de ello con amistades o gente que no comparte tus sueños o con la actitud errónea.

37. Fui un escritor bloqueado hasta que cumplí los 30 años, así que sé lo doloroso que es, también sé lo necesario que es el hecho de pasar por ello y luchar contra ello.

38. Hay días que, simplemente, no te sientes creativo. Está bien, no pasa nada, escribe igualmente sobre otra cosa o algo, por lo menos estarás construyendo ese 'momentum', armándote para cuando la marea suba.

39. Si eres capaz de conseguir acabar un guión,de seguir hasta el final, ya has llegado a alcanzar lo que el 99% de la gente con ideas para películas no hace. Así que date palmaditas en las espalda (eso lo digo yo).

40. En mi opinión, nada funciona mejor para meterte en ese 'momentum' interior, en ese estado mental creativo, que escuchar tus piezas de música favoritas. Realmente funciona y es lo más rápido y eficaz, aunque claro, esto es subjetivo.


Muchas gracias por leer la segunda parte de los 202 Consejos de Brian Koppelman. ¡Si queréis podéis leer la primera entregaY por supuesto las posteriores partes 3456 y 7. Please Share.

¡Hasta la semana que viene!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/


 
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