CINEASTA DIGITAL: Alicia M.Gaspar | Cineasta Digital

CANON 5D MARK IV: LA CÁMARA MÁS ESPERADA DEL DECENIO

Tras años y años de espera, los canonistas más exigentes podrán disfrutar de la aclamada Canon 5D Mark IV. A pesar de que la casa no ha comunicado oficialmente una fecha de lanzamiento en España, sabemos que a partir del próximo mes de Septiembre ya se encontrará disponible en USA.




Ha pasado ya mucho tiempo, discusiones en foros, rumores varios... Los profesionales de la DSLR demandaban 4K en la gama de las 5D, sensores más avanzados, mayor calidad de imagen a altos ISOS, conexión rápida de dispositivos, GPS y sobre todo una opción de autoenfoque que, de hecho, funcionase.

Pues bien, esa es, a grandes rasgos, la descripción de esta maravilla de Canon, que ya se puede reservar online por $3,500 aproximadamente. Apta para cineastas independientes, pero especialmente jugosa para documentalistas, fotógrafos deportivos o de eventos varios y amigos que tengan que lanzarse a lo 'gorilla style' a rodajes llenos de incertidumbre... Y ahora explicaré porqué.

El principal carácter diferencial de esta cámara es que, además del poseer un sensor algo mayor y algo más evolucionado (aunque de la generación Digic 6+ al igual que la 1DX Mark II); tiene un fotosensor incorporado (o un Digital Lens Optimizer, como lo llaman) de mayor sensibilidad que asiste en la grabación.

Desde el punto de vista de una humilde servidora, Canon parece haberse inspirado en la tecnología 'Ray Field' de las cámaras Lytro (pioneros en esta iniciativa), gracias a la cual se graban también la luz incidente y reflejada para hacer un balance y reelaborar parámetros en caso de información de foco 'perdida' (o eso venden, no dan mucha información al respecto).

Por lo que sabemos, ellos llaman a este nuevo sistema de doble grabación en bruto 'dual pixel RAW', y prometen a sus consumidores una mayor precisión y rapidez de autofocus, además de la oportunidad de poder arreglar errores y suavizar flares, o de ajustar preferencias de foco en post. Por desgracia, esta opción se aplica únicamente a imagen fija, en fin, era de esperar (aunque luego os cuento algo más en este aspecto).




Otras ventajas añadidas: wifi, más formatos de grabación, slow motion a mayor definición, 3200 ISO sin grano alguno (a ver si es verdad); mayor dynamic range a altos ISOS, un control innato e intuitivo de la cámara por medio de smartphones, un motor circular que proporciona un sistema de balanceo del espejo para aportar mayor velocidad y evitar la vibración interna del obturador (lo cual da lugar a un menor grado de aberración tanto en imagen fija como en movimiento); rediseño de los botones y del cuerpo... ¿He dicho ya GPS?

Perdiendo peso y ganando figura, settings y velocidad, la Canon 5D se ha regenerado, recopilando en una sóla cámara todas las características de otros modelos más contemporáneos de la marca... Y 4K, que ya era hora, no es por nada.

No, Canon no me paga y expresaré mis impresiones.

En principio: Sistema de tarjetas SD y Flash... Ahí ya me han matado, pensé que además del transfer por wifi (que esto a ver si es también para vídeo en 4k, lo dudo); me habría gustado que hubiesen incluido algún elemento externo o un grip que capturase en full 4K, para tener así la menor compresión posible en esos momentos en que realmente lo necesitase.

Por otra parte: Esto de 'El Revolucionario Sistema Dual Pixel RAW' suena interesante, diferente, no sé... Aunque la realidad es que, mientras otros están avanzando y arriesgándose en innovar, este no ha sido un movimiento tan 'visionario' por parte de Canon. Seamos claros: No es que hayan inventado otro sistema de grabación, o que se doble la información de los píxeles y se extienda, o que haya un sensor múltiple (...) es que, simplemente, han sacado 'algo' que graba la misma cantidad de información de otra forma 'fraccionada' (por llamarlo de alguna manera) en el mismo espacio y con la misma calidad que lo harían otras. Nada de malo en ello, es un buen sensor, pero es que es el mismo y no se ha elaborado especialmente para esta cámara (que conste).

Respecto a la sensibilidad del sensor, nosotros, que compramos estos aparatejos, a veces tenemos que trabajar sin suficiente luz, o con menos de la que nos gustaría, y habrá que ver más revisiones para comprobar si realmente está a la altura de lo que llevan prometiendo desde el 2012. En fin, no la he probado todavía, pero esperemos que 'cumpla' en este aspecto. Por ahora, mi mente sigue entonando este mantra:

¡Bienvenidos a Canon!

Sacan un buen producto y el resto de updates son réplicas hechas con los mismos materiales y diferentes versiones del mismo software.

*(Ojo, que todo esto está sujeto a cambios, cuando la pruebe, si me equivoco, eliminaré este comentario)


Pues sí, desde mi punto de vista, estos de Canon han implementado el funcionamiento de un sensor que ya utilizaban y han programado el software para que, cuando se grabe en esta modalidad, los píxeles se dividan en dos (supongamos sectores A y B), grabando la imagen y la información lumínica por separado...

Vamos, que esto ofrece una solución para manipular ciertos aspectos sobre los que antes no teníamos control en post (enfoque de ojos sobre todo). Así, esta cámara cumple y es una ayuda, pero la magia no existe. Esta función es sumamente útil y nos sacará de algún apuro (sobre todo a fotoperiodistas o fotógrafos de eventos), pero a su vez, todo parece un 'parche' para un problema, mientras que el otro conflicto principal del usuario de DSLR que graba vídeo, no ha sido escuchado, realmente.

Lo que sí es cierto es que necesitábamos un update, y que está claro que es mucho mejor que la Mark III. Definitivamente, va a ser una herramienta indispensable para fotógrafos y para aquellos que no quieren tener una cámara semiprofesional y que no pueden adquirir (o no les compensa) una de las C series. En cualquier caso, apreciamos que hayan escuchado a sus consumidores durante 4 años y que, finalmente, hayan sacado un producto con la mayoría de las demandas mencionadas en los foros, lo cual es bastante.

Yo subrayaría ese nuevo motor para el obturador. Creo que ese ha sido el mayor avance, la apuesta real de Canon (aunque no es lo que están vendiendo) y se 'hará notar', sobre todo en tomas de cámara al hombro o panorámicas. Esa sí que es una novedad, y por eso preveo que, para documentalistas y videógrafos de 'guerra y trinchera' (sea cual sea el evento a cubrir), esta cámara puede que sí va a marcar un antes y un después.

Más información sobre atributos específicos visitad su web. Para los más inquietos que han sobrevivido a este post, aquí tenéis un croquis con la comparación de la 5D Mark IV y la Mark III:
Tabla publicada en por Canon.

Si te ha gustado este post no te pierdas Una nueva forma de hacer cine: La llaman Lytro y mi post sobre la nueva Canon C700



HASTA LA PRÓXIMA, ¡PLEASE SHARE!

202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 4)

No hay consejos que valgan, a pesar de que todo deseo de buena ventura, ayuda, pauta es un bien apreciado y codiciado en el 'Mundo del Contador de Historias', independientemente del campo al que uno se dedique. Por eso aquí os expongo 20 consejos más de Mr. Koppelman. Espero que os inspiren y que induzcan vuestra motivación y la creatividad. ¿Empezamos?



61. Si te sientes ofendido por la reacción de alguien respecto a tu obra, conviértelo en tu combustible, al igual que todo escritor en la historia de la humanidad.

62. Pero... ¿Y si me siento hoy y no tengo absolutamente nada que escribir? Bien, piensa en la última discusión que hayas tenido con alguien y escribe esa escena.

63. Es más fácil lidiar con asuntos si eres capaz de anticiparlos. Así que debes asumir que en algún lugar, hacia la mitad de tu guión más o menos, vas a llegar a un punto en que, realmente, pensarás que es inútil continuar y, ante esta situación, vas a tener que luchar más que nunca.

64. A veces estás atascado porque no sabes qué es lo próximo que se supone que ha de suceder en tu historia. Este es mi truco: Haz este ejercicio, piensa en qué podrían hacer, hipotéticamente hablando, tus personajes tras esa escena y escríbelo aparte.

65. Nadie elige convertirse en escritor, o cualquier otra disciplina artística porque es fácil. Lo haces porque tienes que hacerlo.

66. ¿Crees que escribir es una profesión solitaria? Sí, pero vale la pena por esos momentos en que el sujeto trasciende el espacio tiempo, cuando las horas desaparecen y te sientes conectado al 'TODO'.

67. Entonces, ¿qué es más importante?, ¿la inspiración o la disciplina? Honestamente, necesitarás usar las dos al 100%.

68. La primera vez que obtuve una muy mala crítica por mi trabajo casi me hizo dejarlo todo. Después me di cuenta de que si volvía rápidamente a crear de nuevo, podría sobrevivirla.

69. Si vas a convertirte en un artista, cualquier tipo, tienes que saber ver que es prácticamente imposible obtener éxito y, después, ponerte a trabajar como si supieras, en tu interior, que lo vas a alcanzar.

70. En mi opinión, las 'entregas' y fechas límite fijadas e impuestas por uno mismo son increíblemente útiles porque te impulsan a que sigas adelante. Ahora, asegúrate de que son realistas (o todo se va al garete).

71. No compartas tu borrador con nadie hasta que no puedas pensar en más maneras de arreglarlo, mejorarlo e implementarlo por ti mismo primero.

72. Piensa en el gozo que tu/tus artistas favoritos provocan en tu ser. Ahora imagina como sería si tu trabajo pudiese hacer lo mismo por lo menos por una sola persona... Y manos a la obra, a ejecutarlo.

73. Pero... ¿Cómo sé si no estoy realmente perdiendo mi tiempo con un proyecto? ¿Cómo puedo saber si lo que estoy haciendo es mínimamente bueno? Nadie lo sabe, hazlo igualmente, sigue con ello.

74. Los artistas profesionales no esperan crear piezas de calidad de museo sin hacer borradores de su nuevo proyecto. Lo que quiero decir es que lo único que quieren es ser capaces de rellenar y 'vomitar' eso que tienen dentro en el lienzo.

75. ¿Es posible que no vendas esa novela en que estás trabajando, o ese guión, esa pintura en que estás trabajando?  Sí, oh yeah! ¿No es emocionante que lo estás haciendo igualmente?

76. Tu imaginación es más poderosa que cualquier crítico, agente, o directivo de este mundo.

77. Los mejores jugadores de la NBA no lanzan el balón de la misma manera, todos ellos tienen su estilo y su técnica... Simplemente asegúrate de que metes la bola en el aro por favor.

78. ¿Qué hacer todos los días contigo mismo en tu espacio de trabajo?... Yo escribo mi diario, medito, me pego largos paseos.

79. Si la regla número uno es 'escribe todos los días', la regla número dos es 'toma retos creativos'. Hasta si fallas con estos, siempre te harás más fuerte.

80. La próxima vez que alguien se ría de tus sueño, recuérdales que Paul Haggis escribió Crash y fue rechazado una y otra vez durante cinco años (al igual que miles guionistas de cine y TV en Hollywood vaya).


Muchas gracias por leerme en estos calurosos días de verano. Podréis leer las partes anteriores (1, 23), así como las partes 5, 6 y 7pinchando en los links correspondientes. Como siempre, los 'Shares' apreciados y bienvenidos, sobre todo en Pinterest y Facebook.

Por otro lado, me disculpo por no haber publicado nada estas dos últimas semanas, lo cierto es que mi calendario está repleto y no he encontrado tiempo, pero os prometo dos posts extra durante las próximas dos semanas.

¡Muchas gracias!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/







202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 3)

Sé que me he centrado más en las lecciones de Koppelman últimamente, pero veo que a los lectores les gusta y quieren saber más, por ello, aquí lanzo, por tercera semana consecutiva, otros 20 consejos de este animal del storytelling. ¡Que los disfrutéis!





41. No conozco a ningún escritor profesional que te diga 'ha sido fácil', vale la pena recordar esto. Es difícil para todos y cada uno de nosotros.

42. Los mejores escritores que conozco se dejan llevar por su curiosidad, y la persiguen hasta que encuentran esa historia que quieren contar.

43. La resistencia es la mejor amiga del escritor. Entrena como un corredor de maratones (o como un boxeador diría yo), llega a hacer un poquito más cada día, tiene que doler (y te vas a meter unas cuantas leches).

44. El fracaso es una parte inmensa en el interior del escritor, en su vida, por ello, deberás redefinir el término, de manera que esas páginas diarias sean tu éxito.

45. Los mejores momentos en mis sesiones de escritura son aquellos que vagamente recuerdo. Es como si hubiesen sido un sueño, pero la única forma de ganar es 'moler' todos los días.

46. Entonces, ¿cuál es el truco para encontrar un agente que me abra camino? - ¿El truco? No dejar que eso te distraiga.

47. Si estás intentando decidir qué escribir y una de esas ideas te asusta porque no sabes qué pensará la gente... Sin duda alguna, escribe esa misma idea.

48. El perfeccionismo puede ser una facultad más que necesaria en la última fase de escritura, pero en los comienzos (primeros borradores y gestación), es un 'cortarrollos', mata ese momentum tan necesario en la creación.

49. Cuando homenajeamos a esos 'risk-takers' que eligen las opciones más arriesgadas, nos referimos a esos que suben montañas y se tiran en coche por un barranco, pero nos olvidamos de los creativos, estos no distan demasiado y tienen el mismo coraje.

50. Consejo para aquellos que están estancados: Para ya de mirar la pantalla del ordenador, apágalo y ponte a escribir en papel o, si lo prefieres, haz grabaciones de voz. En serio, esto es imprescindible.

51. La mayoría de la gente pasa la mayor parte de sus días sintiéndose comprometidos con lo que les rodea. Así que piensa en tu 'escritura' como si fuese un compromiso más de ese día.

52. Cuando digo que escribas sobre eso que te apasiona, es simplemente, porque es más fácil ir a la oficina cuando ese trabajo al que dedicas tantas horas de tu tiempo, realmente, te fascina.

53. No te tiene que gustar eso que escribes todos los días, simplemente tienes que hacer acto de presencia enfrente de tu ordenador (o tu portátil) y escribir. TODOS LOS DÍAS.

54. Cuando te lanzas a un proyecto creativo personal, descubres que los que te rodean se muestran especialmente críticos, recuerda: El problema es suyo, no tuyo.

55. Si únicamente tienes una hora al día para escribir, míralo desde una perspectiva positiva. Al menos tienes una hora, de hecho, esto hará que te concentres mucho más en lo que haces esa hora y dará mayor fruto.

56. ¿Tengo que mudarme a L.A. para ser, formalmente, un guionista profesional? ¿Tengo que ser alto para jugar al baloncesto? Pues no pero mejor ponte a trabajar como un perro para dejar al resto atrás.

57. Cuando digo que no soy presa del perfeccionismo, no quiero decir que hay que bajar los listones de calidad. Quiero decir que no se usen listones como excusa perfecta para no escribir (o no acabar y seguir mareando el trabajo ya hecho sin motivo alguno).

58. Esto, lo subrayes o no, se trata de si te sientes a gusto con ese nivel de incertidumbre, lo cual responderá esa pregunta de oro: Si esta carrera es realmente para ti o no.

59. Recuerda esto, y tatúatelo en el pecho, cerca del corazón: Hay dos borradores, el primero que te escribes para ti, y el segundo que es el que preparas para los demás.

60. Muchos de nosotros tenemos el 'defecto del jugador', ese que se basa en el extremo entusiasmo sobre algo que y vamos a por todo, pero que, al final, todo se deshincha o ese acto nos lleva a la perdición, interponiéndose así en nuestro trabajo. Encuéntralo y enciérralo en un cajón.

Muchas gracias estar ahí una semana más. Para los nuevos, os invito a que leáis las partes 1245, 6 y 7  de 202 Consejos de Brian Koppelman. 'Shares' apreciados y bienvenidos.

¡La cuarta entrega llegará bien prontito! Paciencia, que tal y como lo he planificado son muchos posts y no puedo hablar de Mr. Koppelman todo el santo rato :-P

¡Muchas gracias!
Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/

202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 2)

Seguimos con el listado de consejos de Brian, esta vez hace especial hincapié la protección de tu idea y de tu tiempo de escritura. ¿Os atrevéis a leer más?


Siguientes 20 consejos de Brian Koppelman: 

21. No te puedo enseñar a escribir buen diálogo o a construir un personaje. Ningún experto puede. Has de amar la escritura hasta tal punto que estés dispuesto a descubrirlo por ti mismo.

22. Toma nota: Sea cual sea tu película favorita, el creador de esta se sintió profundamente perdido en algún punto del proceso.

23. Si no puedes progresar más en tu guión hoy, escribe un ensayo, un ejercicio, desecha tu historia cuantos días quieras pero genera páginas todos los días.

24. Cuantos más beats y reglas estés aplicando y tratando de recordar, peor será tu situación para crear una fluidez de trabajo en ese proyecto específico. Simplemente escribe...

25. Siempre que escribas hazlo para y por ti mismo, pero no seas demasiado pretencioso o indulgente, ten una imagen de una audiencia más o menos determinada en tu cerebro y escribe por ellos también.

26. Intenta escribir tu primer borrador a toda pastilla para que las dudas no te devoren, no dejes que se anclen en ti.

27. Una apreciación personal: He notado que los escritores primerizos escriben personajes más estúpidos de lo que son en su gestación, los pros escriben a personajes que parecen más listos de lo que son.

28. El aspecto 'realista' representado por algo llamado amistad y que informa al escritor sobre las verdaderas posibilidades de éxito, sobre la improbabilidad de conseguir tener ese guión relatado en imágenes. Apaga ese interruptor, olvídate, no necesitas eso.

29. No te pongas tanta presión al la hora de retratar personajes 'que gusten', 'vendibles', como lo quieras llamar. Deja que el desarrollo de la escritura haga su papel y limítate a escribir personajes fascinantes y que nos importen.

30. Ya sabes como contar tu historia. Piensa una que funcionó, que te hizo comprar una entrada o llevar una cita, e intenta deducir los porqués

31. No hay ejecutivo en Hollywood que sepa qué audiencias querrán ver qué el año que viene. Así que escribe eso que te gustaría ver a ti.

32. Los escritores buscan razones para no escribir, así que haz una lista con todas las razones que te inventas o que 'realmente crees que tienen peso'. Vale muy bien, ahora coloca esa lista al lado del ordenador. Estará ahí todos los días.

33. Si te encantan los blockbusters o películas palomiteras, deberías tratar de escribirlas; pero si amas o te sientes más identificado con películas modestas o independientes, escríbelas. (Escribe lo que quieras ver aunque te hayan enseñado lo contrario vaya.)

34. Hey, ¿no es cierto que estás llenando de expectativas irreales las mentes de esas audiencias? Eso espero. Por eso el escritor ha de tener siempre expectativas irreales.

35. Proteje tu 'tiempo de escritura', haz rituales cada vez que te pongas. Puedes ir a dar un largo paseo antes de sentarte, luego preparar 'el café', 'tu café', quemar un incienso que te guste, hay gente que utiliza gongs o campanas y se sienta en su silla favorita. Creatividad, lo que te hace ser tú, a modo de: ahora, tras hacer 'esto', me siento y, sistemáticamente, tengo mi momento de escritura.

36. Escribir un primer borrador es una de las cosas más sensibles que se pueden hacer. No te sabotees a ti mismo hablando de ello con amistades o gente que no comparte tus sueños o con la actitud errónea.

37. Fui un escritor bloqueado hasta que cumplí los 30 años, así que sé lo doloroso que es, también sé lo necesario que es el hecho de pasar por ello y luchar contra ello.

38. Hay días que, simplemente, no te sientes creativo. Está bien, no pasa nada, escribe igualmente sobre otra cosa o algo, por lo menos estarás construyendo ese 'momentum', armándote para cuando la marea suba.

39. Si eres capaz de conseguir acabar un guión,de seguir hasta el final, ya has llegado a alcanzar lo que el 99% de la gente con ideas para películas no hace. Así que date palmaditas en las espalda (eso lo digo yo).

40. En mi opinión, nada funciona mejor para meterte en ese 'momentum' interior, en ese estado mental creativo, que escuchar tus piezas de música favoritas. Realmente funciona y es lo más rápido y eficaz, aunque claro, esto es subjetivo.


Muchas gracias por leer la segunda parte de los 202 Consejos de Brian Koppelman. ¡Si queréis podéis leer la primera entregaY por supuesto las posteriores partes 3456 y 7. Please Share.

¡Hasta la semana que viene!

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/


202 CONSEJOS PARA GUIONISTAS POR BRIAN KOPPELMAN (PARTE 1)

Brian Koppelman es uno de los guionistas y productores de desarrollo más admirados de Hollywood con historias como 'El Ilusionista' y autor de guiones como 'Oceans Thirteen', 'Rounders', nos ilustra con 202 consejos que todo escritor de imágenes o guionista profesional ha de seguir.


A pesar de que puede que te disguste su estilo o el tipo de proyectos de los que ha formado parte, Koppelman es un guionista serio, exitoso, de profesión, de corazón, y hace que sus ideas se conviertan en escenas y que estas escenas formen actos; y que dichos actos conformen películas enteras. Una referencia, un consuelo, un hombre al que escuchar y admirar que no se beneficia económicamente de ello, lo cual, suma puntos también.
Los consejos están sacados de su 'Six Second Writing Lessons' publicados en Vine.

¡COMENZAMOS!


1. Todos los libros de guión son 'caca de toro' (literalmente... Paparruchas, vamos). Ponte a ver películas y lee guiones, deja que se conviertan en tu guía.

2. El consejo 'escribe sobre lo que sabes' funciona, pero es bastante limitado. Escribe sobre lo que te fascina, sobre eso en lo que no puedes dejar de pensar.

3. Los que se hacen llamar 'gurúes del guión' son simplemente farsantes, fíjate bien qué guiones han escrito exactamente y no les escuches si no sabes nada de sus 'películas'.

4. Cuando ví lo que se me venía encima, en un momento de flaqueza y confusión, conseguí encontrar el valor para decirle a mi padre que quería ser escritor. Él me miró fijamente a los ojos y, tras una pausa, dijo: "¿Quieres escribir? Pues escribe." El mejor consejo que me han dado en mi vida.

5. Calcula menos, no intentes jugar con 'La Industria', con el mercado y 'lo que se lleva'. Simplemente escribe sobre lo que tú quieras escribir... Y ten listas litronas de café.

6. De todas las normas que se suelen escribir sobre el oficio del escritor, hay una que es únicamente cierta: Escribe todos los días.

7. Hay una gran industria de embaucadores que dicen que la escritura de guión se aprende en ciertos cursos y clases. Ni se te ocurra creerles.

8. El momento en que tu guión deja de estar en tus manos se convierte en una mercancía, así que mientras lo tengas en tu posesión trátalo como una obra de arte.

9. En vez de leer libros sobre escritura de guión, lee sobre tú tema, el campo sobre el que tienes que investigar, ese que te motiva y fascina, que despierta interés en tu ser.

10. Con 'los gurúes' de guión todo va sobre los 'cómos', ¿cómo escribo esto? Pero con escritores, todo debe versar sobre los porqués. ¿Por qué necesito escribir sobre esto ahora mismo?

11. No necesitas el permiso de ningún experto para escribir tu historia, a tu manera. (Repítelo a ti mismo).

12. Todo escritor debería leer 'De qué hablo cuando hablo de correr' de Murakami Haruki. Un gran libro sobre forma física, pero es un mejor libro sobre la profesión y la disciplina del escritor.

13. Olvídate de agentes, concursos, editores, concéntrate en lo que sí puedes controlar: palabras, páginas y lo que hay tras estas.

14. El primer guión que escribí con mi compañero fue rechazado agencia tras agencia y calificado de 'invendible'
Ese guión fue 'Rounders'.

15. Los hermanos Coen, Charlie Caufman, etc. etc. nunca intentaban adivinar 'lo que Hollywood quería producir', siempre escribieron plasmando sus obsesiones, y así lo debes hacer tú también.

16. Permíteme que utilice menos palabras que esos libros tan cotizados para explicarte de qué va esto de la estructura en cinco actos: Principio, medio y final. Así que para de preocuparte y comienza por escribir. ¡YA!

17. Cuando necesito un chute de inspiración me pongo a ver películas como 'Amelie' o 'Y tu mama también', películas que se saltaron los patrones y muchas reglas pero que, a pesar de ello, engatusaron mi corazón.

18. La inseguridad y la expresión personal van de la mano. Bájale el volúmen a esas dudas durante dos horas al día... Verás como tus guiones acabarán escritos y cumplirás tus metas.

19. Mira, no pretendo subestimar la 'forma' y la 'estructura'. Importan, y mucho, pero es mucho más importante establecer ese vínculo emocional con el lector, eso es lo que te hará destacar sobre el resto.

20. Cuando estoy atascado en un primer borrador, me recuerdo a mí mismo: 'Nadie llegará a ver esto hasta que yo diga que pueden'; lo cual me da la fortaleza final para acabarlo.


Esta es la primera entrega de los 202 consejos para guionistas por Brian Koppelman. 
Si os ha gustado todo like y share es bienvenido.  
Muchas gracias, ¡la semana que viene MÁS!
Si te ha gustado, también podrás disfrutar de las partes 2345, 6 y 7 haciendo click en los links correspondientes.

Fuentes: Six Second Screenwriting Lenssons en Vine 
(por Brian Koppelman) y https://briankoppelman.com
http://comfortpit.com/

LA PROPORCIÓN ÁUREA: DESARROLLANDO PERSONAJES PARA TU SERIE

Desarrollar una serie es algo complicado ya de por sí, pero lo más difícil suele ser el crear los arcos de personajes. Tal vez tengamos que observar en eso que nos rodea, lo que realmente funciona y se mueve a nuestro alrededor, lo bello, y aprender de ello antes de sentarnos a escribir.

El escritor ha de tejer interminables telas de araña... Ánimo con ello. 

Simplemente, no es tan sencillo escribir una serie. Hay muchísimos aspectos a tener en cuenta y queremos contar con una longitud adecuada que muestre esos universos al receptor, esos conflictos en nuestras cabezas y nuestros PERSONAJES. Lo mejor es que no sabemos tanto de este misterio nuestro, el humano, el misterio del desarrollo, aparte de lo típico: Nacer, vivir, morir; planificar, hacer, terminar... Todo lo dividimos en triadas en nuestra cabeza y eso, a veces, no funciona. ¿Por qué? No lo sabemos, pero no se asemeja por completo a la realidad, es un reduccionismo brutal que se deja muchos detalles por el camino.

Verdaderamente, el 'plasmar fielmente transformaciones de personajes' es lo más complicado, de hecho, normalmente nos pasamos de complicaciones y llegamos a dimensiones que llegan a ser hasta irracionales; o todo lo contrario, ciertos personajes de nuestro proyecto (o todos) se mantienen en una meseta inalterable. En otras ocasiones ocurre algo mucho peor: Las transformaciones del protagonista y sus 'secuaces' se desarrollan demasiado rápido, pues la prevalencia está en el plot o no hemos plasmado bien los puntos o pasos que les han llevado a ese cambio... Ahora, ahora llegaremos al punto de la proporción áurea, no os preocupéis, que todo tiene su propósito.

Pues no es que todo tenga que cambiar, ciertamente podemos aguantar a personajes como Dr. House (M.D), Sherlock, los traumatizados agentes de CSI (y similares), Friends, Castle (...) por un cierto tiempo, hasta puede que disfrutemos de ellos. De hecho esto es muy aceptable, pues tienen un fin si la historia es puramente 'procedural' o 'serial de procesos' de investigación. ¿Por qué? Pues, porque lo que nos importa es el conflicto de la semana, el puzzle y cómo reaccionan los personajes de ese universo (del que somos ajenos) para resolverlo. Nos importa quién es el malo del día y cómo lo saben, si le cogerán, o si rescatarán a alguien, junto a UNA POTENCIAL RELACIÓN AMOROSA (o amor odio entre compañeros de trabajo). Si lo pensáis, siempre es así, un 2+2 y nos dejan con miel en los labios, una fórmula que no suele implicar necesariamente ningún cambio, de hecho, el desarrollo de personajes suele pasar a un segundo plano. Pues no, ¡hay que marcar arcos de transformación en personajes!

De otra forma, el espectador simplemente se sienta en su sofá y 'visita' a su viejo amigo o ídolo, aquél que tiene una forma de hablar que le gusta, que toma el mismo tipo de decisiones normalmente, ese amigo de toda la vida que nunca cambia.  Nada malo en ello, hacer un personaje que NO CAMBIE Y QUE ENAMORE A ALGUIEN tiene su dificultad y es admirable, ya me gustaría a mí tener más citas.

En definitiva: Se busca un remanente, los mismos personajes; y algo que cambia, que son las circunstancias.


Con esto no quiero decir que los procedurals pequen de simplistas por tener la misma estructura y patrones en las acciones una y otra vez, hay magníficos procedurals que no se basan únicamente en el patrón y 'el caso del día' 24/7 y que llegan a ser 'una obra sin igual y memorable', por ejemplo Dr. Who, Mad Men, A Dos Metros Bajo Tierra o Newsroom (y no siguen el formato a 'pies juntillas', por eso funcionan, pero hay pocas excepciones más). No obstante, siempre recomiendo que, si se desarrolla un procedural, se idee en sus orígenes como un híbrido, y se haga mayor incapié en los pasados y las relaciones entre personajes para que no se haga 'repetitivo', además de incorporar otros elementos para ofrecer  mayor profundidad al asunto.

Así, hago especial incapié en este tipo de series porque son las más producidas, las que utilizan la misma fórmula todo el rato (mirar el link) y, bien ejecutadas con el capital y equipo necesario, se pueden fabricar como churros... Pero por eso mismo es arriesgado escribirlas, pues, como he dicho, mucha gente lo hace y los capítulos suelen volverse ciclos redondos en que siempre, esencialmente, ocurre lo mismo una y otra vez, especialmente tras las primeras dos temporadas.

Sí, hay que huir de este error que es bastante común. Ese realizado por equipos de escritores asalariados y rotatorios para no caer en las redes de la rutina. La misión: Hacer que estas historias desequilibradas por argumentos acusados vayan en un crescendo desorbitado, hasta llegar a complicarse tanto que suelen pasar barreras insospechadas en que ya no hay suspensión de credibilidad alguna. ¿No me crees? Te diré dos palabras: Expediente X (una de mis series favoritas, porque soy muy frikie y la tengo cariño, y eso que aquí los personajes cambian 'algo', ha durado tanto que mi cerebro no lo concibe, sera la 'religión X-Files' esa).

Este tipo de 'procedural serials con peso en la acción' no suele funcionar más allá de un par de temporadas (excepcionando CSI, hay mucho loco infeliz por ahí suelto). En general, al final, todo se vuelve común, trivial, predecible, a no ser que te apasione el tema que tratan, o que los actores, el puzzle o la voz del show 'drogue al espectador'. En ese caso, desde luego, tienes en tus manos un money-maker... Pero no suele funcionar y, si lo hace, no por mucho tiempo y espero que tengas suerte.

Por otra parte tenemos el segundo error, aquel en que podemos tener a personajes que cambian tanto y tan pronto o tantas veces a raíz de esos conflictos a los que se enfrentan, que no entendemos bien lo que ocurre, pues los cambios son procesos, no algo que vaya ocurriendo constantemente de forma bipolar, como reacciones químicas de partículas expuestas a diferentes elementos o situaciones. Esto también suele pasar en los procedurals, aunque ya es más común en seriales continuos, largos viajes, miniseries y dramáticos, en que equipos de guionistas piensan qué más hacer para que la serie siga a flote, Mejor solución: Construye una montaña rusa.

La última, la que más detesto, otro de los errores más comunes, cuando un personaje escoge la llamada a la aventura y cambia, radicalmente, en un capítulo o reacciona de una forma que no concuerda con la presentación del mismo, por lo menos de una manera tan breve. Además, normalmente estos cambios son iniciales, luego he podido observar que se suele establecer un largo estancamiento preparado para otro abrupto cambio al final.

Tal vez en este caso está funcionando gracias a las amorosas escenas de cama, esas de las que amas de casa y otras mujeres con el corazón roto o lleno de sueños no pueden despegar la vista. Ciertamente, los capítulos se ven más de una vez.
A esto lo llamo yo 'hacer historias con calzador', forzar al personaje a hacer o decir algo que dé un giro decisivo y muestre un desarrollo abrupto como consecuencia. Ejemplos que suelo enumerar a curiosos: Outlander, Daredevil, Sleepy Hollow, Orphan Black, Juego de Tronos (bastantes personajes, no sé en los libros), algunas temporadas de Breaking Bad (aunque lo 'aceptamos' por el desarrollo de Walter en las dos primeras temporadas, Jessie es otro caso aparte), etc. (...) He de comentar que, en muchos casos, no lo observamos en el desarrollo de toda la serie, es bastante común que esto comience a pasar tras la segunda o tercera temporada.

Como consecuencia, nos encontramos con que hay innumerables ocasiones en que 'el efecto calzador' ocurre con personajes de peso en la serie, aunque algunas se salvan y llegan a pegar fuerte en el mercado por su concepto, el universo creado, los ganchos y el contraste dramático; pero seamos realistas, estarían mucho más 'logrados' si no tuviesen esos momentos de cambios abruptos que nos hacen mirar al cielo y preguntarnos por qué leches los estamos viendo, o por qué no mejor saltarnos todas las temporadas e irnos ya a la última directamente.

¿Sigues ahí? No te podía exponer mi hipótesis así en frío y lo bueno se hace esperar. Pues bien, no sé tú, pero yo quiero llegar a realizar algún día algo como Mad Men, quiero escribir largos formatos bien construidos que, no solo hagan soñar, sino que también inspiren realidad a la gente y que 'respiren' por si mismos. Y por todos esos motivos que me irritan (y más), quiero exponer mi truco, mi técnica que trato de poner en práctica día día a la hora de desarrollar historias o hacer ejercicios de escritura. Y dice así:

"Esto va de ritmos y de exposición al elaborar historias, las cuales son, 

realmente, procesos orgánicos, como la vida misma. 

Hay que buscar la belleza y la coherencia a la hora 

de plasmar esa realidad. Mi regla de oro es: 

'La Proporción Áurea para la Escritura'."



El universo funciona así, la naturaleza funciona así, las fisionomía de todo ser viviente se agrupa así, los campos magnéticos y las sinapsis de nuestro cerebro mandan 'transmisiones' que circulan... ASÍ. Entonces, no entiendo por qué negarlo, por qué nadie reconoce que en las buenas historias SÍ PASA ESTO. Que hay una forma más objetiva de medir la realidad. Tal vez eso sea lo que impulsa a que algo siga hacia delante, ¿no creéis?

¿Cómo aplicar la 'ley áurea' a la escritura? Por supuesto, la hipótesis implica el entonado instinto del creador. Yo me lo imagino como un comienzo desde el punto central, en que el personaje más principal (por así decirlo, ya que en series actuales suele haber muchos más y a veces hay confusión); está en el centro y el resto de líneas rectas que emanan del punto primario son el resto de personajes.

Hasta ahí bien, ahora hay que relacionar a estos individuos entre si, por lo que elegiremos patrones y líneas que unan en diferentes puntos a los personajes. Las líneas serán la acción y determinarán la forma final de la espiral, que siempre debería ser la misma, esa que lleva el número de oro grabado en sus genes.


Esta espiral imaginaria resultante será el desarrollo de la totalidad de la serie, la esencia de la historia y temas, de los personajes con todos sus cambios. En mi visión, toda esencia armónica está ligada a esa espiral áurea en todo lo que nos rodea, así que, ¿por qué no en la narrativa también? ¿Por qué tenemos que pensar siempre en triadas que son tan sólo términos arbitrarios, ya por el mero hecho de darles nombre y valor para encajarlo en un proceso unidireccional? ¿Por qué nos conformamos con reduccionismos de la realidad?

A pesar de sonar muy metafísico, hay que materializar esto en algo físico (valga la redundancia); y lo cierto es que no hay que escribir todo o hacer esquemas con la sección áurea (aunque es recomendable), tan sólo has de tener este esquema en la cabeza a la hora de escribir las bios, los cambios en relaciones y el escaletado de la historia. Pensar si esta línea es coherente con el patrón de la belleza, al que tenemos de referencia. ¿Qué líneas sigue tu historia?, ¿a qué te suena?, ¿a qué alude? Adoro las preguntas...

Hay que encontrar esa armonía entre partes que se dividen en otras exactamente simétricas y la suma de las dos hacen otra, que por la misma regla de tres harán otra mayor con la misma proporción, y así sucesivamente. Llegar a ese lugar en el que tanto el pasado, como el presente y el futuro, están a la misma altura, en que se pueden visualizar todos al mismo tiempo y son coherentes entre sí.

Esto no es un truco, o un método cerrado, o de crear todas las series por el mismo patrón 2+2. De hecho, no sigáis patrones para crear series, si caéis ahí, que sea accidentalmente, que no sea porque queréis desarrollar una serie con el formato de X. Una vez más, lo podéis hacer, pero seguro que no llama tanto la atención y carece de ese alma que conduce cada historia, que es única.

Cuando menciono la percepción áurea en la escritura, me refiero a algo intuitivo, a una marca de agua en nuestra mente que nos hará notar si nos pasamos de cambios en el tiempo estimado cuando estemos creando.


Es un sentido arácnido que nos hablará si estamos acabando con un círculo cerrado donde no hay salida u otro lugar al que ir y, como consecuencia, pasaremos abruptamente a otro tema diferente olvidando los pasos de nuestros protagonistas; o si terminaremos con formas asimétricas. Yo opto por una preciosa concha de caracol que puede continuar y continuar, sin siquiera mostrar un final, porque no sabemos si lo hay...

Cierto es que todo tiene un principio, medio y final que se traduce a otro principio, mas eso se aplica al hablar en términos generales sobre algo. En realidad, cuando trabajamos de lo general a lo particular y lo traducimos en detalles, cuando nos sumergimos y sabemos más sobre algo, no siempre encajan las triadas lineales no abarcan todo lo que que queremos contar o cómo queremos contarlo.

Por esto he decidido escribir sobre mi idea de creación, por expresar la importancia de las proporciones áureas, pues la vida es un proceso y hay que intentar ser 'fiel a los mecanismos de cómo funcionan las cosas'. Los cambios son un proceso exponencial, son las curvas que van formando el todo, y cuando se ha cambiado el objetivo, este cambia porque se ha de pasar a otra fase, o comienza el ciclo de la misma fase otra vez (depende de lo que se quiera contar); y así sucesivamente.

Debemos intentar plasmar esta ley de oro en el desarrollo de nuestros personajes que van de la mano de la acción en la serie, para que así esta respire, para que se convierta en un retrato, en una obra de arte de la naturaleza humana.


Puedes hacerme caso, o pensar que esto son paparruchas baratas. Pero pruébalo, lo que sí es cierto es que no te equivocarás si buscas las proporciones áureas en todo proceso creativo y no tienes nada que perder por intentarlo. Mi consejo para tu serie es pensar en un principio, únicamente, y de ahí comenzar a tejer la tela de araña, lanzándote, con cabeza, a la incertidumbre más aterradora.


Espero que os haya interesado el artículo. ¡Feliz semana a todos!



**Esta hipótesis de la Escritura Áurea es una idea 
en la que llevo trabajando ya un tiempo y continúo en ello. 
Te rogaría que si la utilizaras en las aulas, por lo menos, dieses mi nombre.
Muchas gracias.

UNA NUEVA FORMA DE HACER CINE, LA LLAMAN LYTRO

Se acaba de anunciar una nueva cámara con un sensor de funcionamiento revolucionario que cambiará la forma de percibir imágenes, o información... ¿O las dos? ¿Es 3D o 2D? ¿O ambas? Nos referimos a Lytro Cinema, la primera cámara de vídeo profesional en el mercado con sensor de medición para profundidad de campo y luma.

Metadata Cámara Lytro Cinema.

El principal propósito de Lytro Cinema, una cámara que ya está en venta por nada menos que 125,000 dólares, es facilitar la realización de CGI y postproducción. Su sensor, sin llegar a ser puramente vectorial, graba la luz incidente y reflejada en cada uno de objetos en escena (osea, capta el volumen a la perfección) y las distancias entre estos, después procesa esta info y la transforma en un lenguaje algorítmico, presentando todas las partes y parámetros marcados por la luz. En resumen: Graba todo lo que hay en el plano y lo traduce a 'pseudo-vectores' directamente (digo pseudo porque son sólo de distancia entre objetos y todavía se habla en términos de megapíxeles).

El camino es largo, pero por lo menos ya tenemos algo que podrá capturar el volumen y la distancia valiéndose del luma como referencia por medio de su sistema basado en Ray Field Technology (como lo llaman ellos).

Según explican los creadores, una de las funciones más obvias son los retoques y recomposición de planos con mayor calidad, aparte de dar un aspecto de profundidad mayor y poder cambiar los puntos de enfoque en clips con un simple click... 

Aunque tal vez lo más interesante sea su función en VFX y CGI, pues ya se podrían seleccionar partes del plano con parámetros de luma exactos y eso haría que la green screen o sistemas de motion capture actuales pasasen a ser cosas del pasado, dejándonos así con una postpo más eficiente y, probablemente, más asequible a todos los bolsillos.

Otras opciones que facilitaría sería el motion tracking y la composición de nuevos elementos CGI dentro de la escena entre otras muchas funciones, debido a que graba x,y,z, pitch (considerado como la materia en sí) y yawn (considerado como 'los aires', 'las exhalaciones de luz'). De esta forma, la videografía plenóptica (o de campo de luz) se convertiría en realidad.

Las green screens pasan a ser white screens para rebotar la luz como Dios manda.


La Lytro Cinema, aunque esté en venta por encargo, va a ser expuesta en NAB esta semana, y se estima que el prototipo variará y que lo implementarán para ponerlo en venta a finales de este año. ¿Será este el primer indicio de las 'quantum cameras' del futuro? Las Majors de Hollywood ya están comenzando a pujar por esta opción.

Personalmente, llevo unos años investigando sobre el tema, preguntándome por qué no aplicábamos el mismo sistema de kinect a un sensor de 35mm para grabar los parámetros de separación entre los elementos y la luz. Puede que el lector se mofe, pero este tema me ha quitado sueño más de una noche, pues llevamos varios años estancados con el mismo tipo de herramientas y marcas 'burlándose del consumidor'.

En mi mente sólo había preguntas como: ¿Y si finalmente obtuviésemos la imagen en puros vectores? Si consiguiésemos eso, la creatividad con definiciones perfectas sería ilimitada... Nos olvidaríamos por fin de 4K, 7K, 200K. Sería como trabajar en Illustrator, pero en crack. ¡Suena a gloria!

Versión Metadata Cámara Lytro Cinema.
A pesar de todo, la Lytro no ha llegado a ese punto todavía, no es puramente cuántica al cien por cien, únicamente han implementado una idea... Pero es un paso, y uno significativo.

Lytro (Pocket Version)
Nada viene de la nada, y es que esta compañía de portentos de la imagen no ha comenzado con este concepto desde cero. De hecho, ya hace 10 años se centró en el sector fotográfico, pues hay que comenzar a andar si se quiere correr. El primer prototipo en que trabajaron fue una 'caja' que captaba imágenes por este mismo sistema 'kinectiano' aunque con un sensor bastante limitado.

La Lytro Pocket fue una pequeña versión de la misma idea (aunque algo más arcaica) para el 'usuario de a pie', con la que comenzaron sus andaduras allá por el 2012. Estas cámaras siguen en venta en la actualidad y graban hasta 16 GB de vídeo/fotos. El concepto de este 'cuboide' era: 'llevas contigo una mini cámara 3D en el bolsillo a todas partes y que da igual que no enfoques porque ya lo harás en post'.

Dos años más tarde sacaron la segunda cámara, dedicada, esta vez, a profesionales: La cámara Illum.
Lytro Illum

Este modelo estaba pensado principalmente para fotógrafos de nuestro tiempo y pretendía revolucionar el mundo de la fotografía. La cámara toma fotos y vídeo, aunque muchos alegan que no da muy buenos resultados, ya que no tiene estabilizador de imagen. Así, la Lytro Illum salió a la venta a partir de los 1500 dólares con sus correspondientes updates, ahora va por 499 euros.

A la compañía no le ha sido tan rentable la inversión, especialmente con la Illum, ya que su producto es lo suficientemente transgresor como para hacer que fotógrafos profesionales lo califiquen de 'pobre y con errores de captura de imagen'... 

La pregunta es: ¿No será que esos fotógrafos y videógrafos no saben captar la imagen en términos purístamente lumínicos y están acostumbrados a tomar otro tipo de decisiones a la hora de trabajar? La luz es esencial para todo profesional de la imagen, pero este sistema hace que, en primer lugar, tengas que saber de edición y tecnología digital; y en segundo lugar, te fuerza a visualizar, realmente, el volumen y las direcciones de todas las luces en tu mente para poder evaluar si ciertas texturas y elementos serán captados correctamente. No cabe duda de que esto es otra forma de trabajar, pues no importa si quiera el encuadre que decidas. En fin, todo lo nuevo siempre suele causar temor y esto realmente es lo que llaman 'fotografía plenóptica', un animal completamente diferente.

Dicho esto, la única crítica válida (como curiosidad) es que el producto se 'bebe' las baterías, cual borracho que acaba buscando remanentes que succionar en 'culos' de macetas; y que da errores de software y se congela de vez en cuando... Pero ¡hey!, la cámara funciona, eso es innegable.

Pero bien, el fiasco ya ha ocurrido, pero 'nunca el tiempo es perdido', ya que también se ha ido experimentando por el camino. Volvamos a lo que nos concierne.


No se puede correr un maratón sin saber andar, y 'estos, los de las cajas que graban algo así como luz' llevan luchando como locos desde el 2006. Ya va siendo hora de que opten a las olimpiadas, ¿no creéis?... ¿Cómo? Pues con una mejor programación, un sensor competente con el de cualquier cámara de cine profesional (incluso de mayor sensibilidad) y más opciones que faciliten workflow y settings varios.

Por ahora, los creadores han asegurado que la Lytro Cinema no supondrá un cambio en la dinámica de trabajo, pues, a pesar de tener numerosas opciones de grabación y hasta 300 fps en un sensor de 755 MP, al final siempre hay una composición del director y ésta se emite con un 'negativo digital' (vamos, que proporciona video quicktime Proress en tiempo real, que se puede mandar a la sala de montaje y guarda un link con el archivo matriz).

Aunque... La cosa no queda ahí. Lo que realmente es noticia y de lo que pocos están hablando, es esta belleza que van a lanzar al mercado. Una cámara que realmente cambiará el juego por completo:
Lytro Immerge 360 grados de captura.

El modelo Lytro Immerge, a diferencia de su hermana menor, sí cambiaría la forma de funcionar y ejecutar escenas de rodaje, especialmente la dinámica de trabajo en set, cosa que causaría rechazo en una industria en que seguimos como en aquellas épocas de 'jarabe para la tos'. 

Grandes cambios, grandes contrastes. 
¿Podría llegar a haber un matrimonio entre VR y la narrativa en 2D? Estas dos vertientes se van solapando más a medida que pasa el tiempo. Cada vez lo pasivo es menos pasivo y lo activo es menos activo... Ahí dejo otra pregunta existencial. En cualquier caso, a pesar de que la opción de añadir 3D ya está implícita en metadata, la imagen captada por este tipo de sensores Lytro no es puramente 2D ni 3D, pues funciona de manera substancialmente distinta a todo lo que existe en el mercado. De esta forma, los creadores recalcan que el 3D no es su objetivo primordial, que están orgullosos de cómo la tecnología Lytro capta, intuitivamente, algo que está a medio camino y 'se siente natural al ojo humano'.

De cualquier modo, la Lytro Cinema puede ser una planeada transición y, en cuestión de años, la versión Immerge podría salvar el formato de ficción en 2D, haciéndolo, así, más interactivo y compatibilizándolo con otros sistemas de visionado, como las Oculus y sus semejantes, que ya comienzan a inundar el mercado en el momento preciso en que sí parece que vayan a calar y transformar nuestras vidas. Aunque por ahora, nos contentamos con el hecho de que Lytro supondrá un cambio en el proceso de realización y postproducción, y lo demás ya se verá.

Podéis ver un vídeo explicativo más abajo. ¡Que lo disfrutéis!


TAMBIÉN PUEDES ECHARLE UN OJO A ESTAS PRUEBAS REALIZADAS CON LYTRO IMMERGE


'La clave no es el objeto, sino la luz. Al final, un auténtico cinematógrafo siempre pinta con luz.' (Y ahora más que nunca) 

CONOCIENDO A MATTHEW WEINER, CREADOR DE 'MAD MEN'

Hay pocos guerreros de corazón en esta profesión nuestra, y Matthew Weiner es uno de ellos. A pesar de no haber podido conocerle personalmente, he querido traducir esta entrevista extraída de 'Getting There: A Book of Mentors' de Gillian Zoe Segal.

Ni que decir tiene que dicho libro es fuente de inspiración, que lo recomiendo fervientemente a todos aquellos que tienen todo lo que hay que tener en esta vida para sacar proyectos personales adelante. Comenzamos, pues, a adentrarnos en la mente de este peculiar contador de historias.

Damos la bienvenida a Matthew Weiner


(...) Recuerdo haber estudiado en el colegio ese poema, 'Kubla Khan', de Samuel Taylor Coleride. De acuerdo a los testimonios del escritor, tras una ruta por las profundas sendas inducidas por el opio, tuvo una visión e inmediatamente escribió esas famosas 54 líneas. A pesar de todo, cuando comenzamos a analizar el poema, comenzó a ponerse de manifiesto que no había forma alguna de soportar esa teoría de 'escritura espontánea'. Y es que resulta que el poema tiene una estructura increíble.

El caso es que, tras haber leído las cartas y anotaciones póstumas del autor, se descubrió que no sólo Coleridge trabajó en 'Kubla Khan' durante meses y meses, sino que también hasta lo había mandado a familiares y amigos para recibir críticas y opiniones.

Los artistas, frecuentemente, ocultan estos pasos que mueven sus pues camino a la Obra Maestra. Ellos quieren que sus obras y carreras queden inmersas en el misterio, mostrar que todo fue 'de una sóla vez'. Eso se llama 'esconder las pinceladas', y aquellos que hacen eso están influyendo de forma contraproducente a muchas otras personas que admiran su trabajo y que buscan, algún día, ser como ellos. Si tú, como artista, no tienes en cuenta esas revisiones y críticas, reescrituras y pasos en el itinerario total de creación, es más fácil admirar el producto acabado y estar bajo la ilusión de que todo se creó así viniendo directamente de la cabeza de un genio... Así, ¡de esa forma!


"Innegablemente, una obra de arte es un producto finalizado, y debería ser así, pero yo siempre me juro a mí mismo que no esconderé mis pinceladas."

Esto dificulta el trabajo de esa gente joven que empieza, o de esos que siguen luchando, ya que pueden sentirse desanimados fácilmente, pues llegan a la conclusión de que no pueden hacerlo de esa forma en que pensaron que 'orgánicamente' se hacía. De que no tienen 'ESO'. En fin, innegablemente, una obra de arte es un producto finalizado, y debería siempre ser así, pero yo siempre me juro a mí mismo que no esconderé mis pinceladas.

Los escritores siempre fueron objeto de reverencia en mi casa y yo quería ser uno de ellos, ya desde niño, pero después fui a la universidad y no pude entrar en la clase de escritura. Entré en Weleyan, una pequeña escuela de humanidades y bellas artes. Las clases tenían entre 12 y 15 personas, y tenías que solicitar puestos y enviar ejemplos de tu trabajo para que te admitieran por clase y asignatura. Mi solicitud, en este caso, no fue lo suficientemente buena. Fui rechazado por todas y cada una de las clases de escritura. Un desastre...

Finalmente, acabé convenciendo a un profesor de Literatura Inglesa para que me diese clases particulares de poesía por separado. Cuando por fin terminé mi tesis, estaba inmensamente orgulloso y realmente quería que los de mi alrededor lo viesen, por ello, se lo di a un profesor de humanidades y éste me invitó a su casa para que se lo leyese en alto. Tras mi primer poema, él me dijo que sacase un boli y tomase apuntes.

Comenzó tal que así: 'El uso infantil de... La puerilidad de... El infantilismo de... El cliché y las rarezas de...' Fue una humillación cruel tras otra, y lo peor de todo es que tuve que escribir esos insultos personales yo mismo, en mi papel. Estuvimos así horas, literalmente, poema tras poema. Finalmente él se aproximó físicamente, se inclino sobre mi y dijo: 'Creo que ya sabes que poeta, no eres'. A lo que respondí: 'Pues no me había dado cuenta'.


"Crece, desarróllate en los rechazos y quédate sólo con los halagos."

Cuando te apalean siempre duele, pero un aspecto esencial del mecanismo de supervivencia que adquirí después de unos años de experiencia fue el siguiente: 'crece, desarróllate en los rechazos y quédate sólo con los halagos.' El rechazo me encabrita, ese sentimiento de '¡ya veremos, ya te enseñaré yo si puedo! es la motivación más poderosa que hay.

Una constante tensión, estoy en ese punto de mi vida en que tengo miedo de que si llego a perder 'ESO', dejaré de trabajar. Por el lado positivo, hay que reconocer que no hay nada como las felicitaciones y alabanzas llenas de significado de alguien a quien tú respetas profundamente. En mi juventud era un paupérrimo estudiante que raramente hacía sus deberes. Mi profesora de cuarto curso una vez me separó del resto y me dio eso que me llevaba ganando a pulso un tiempo. Me dijo:

'Hablar contigo es como dirigirse al desagüe de un lavabo, no escuchas nada. ¿Crees que vas a ser capaz de irte de rositas por la vida siempre, simplemente porque eres un encanto? Realmente piensas que no tienes que hacer todo el esfuerzo y realizar tu trabajo ¿verdad?- PUES SIENTO DECIRTE QUE TIENES SOLO TÚ HAS DE HACERLO'. 

Recuerdo ese momento, cómo la miré tras el sermón y dije: '¿De verdad crees que soy encantador?'

Tras la universidad, fui a USC, donde finalmente comencé con la escritura narrativa. Había concursos para seleccionar esas películas que la escuela quería producir con sus alumnos, y mi material nunca fue seleccionado por nadie. Finalmente dije: 'Voy a hacer un documental', e hice uno sobre los paparazzi. Llamó mucho la atención, destacó sobre el resto, y comencé a ser conocido por mi capacidad de editor y mi sentido del humor. En vísperas de mi graduación, concerté algunas entrevistas y meetings con el propósito de encontrar empleo. En tres meses no encontré nada, ni un sólo agente me recibió.


"El Mundo del Entretenimiento parecía tan impenetrable que dejé de escribir."

Así que, los tres años siguientes los pasé en casa escribiendo guiones originales independientes. Mis amigos tenían otros empleos, pero yo no. Mi mujer, Linda, trabajaba duro como arquitecta y nos mantenía. Intenté vender mi material, pero nada se vendía, ni una sola historia. Me convertí en un amargado, pensando que todos los que veía que habían triunfado no se lo merecían. Fueron tiempos oscuros. El Mundo del Entretenimiento parecía tan impenetrable que dejé de escribir.

Literalmente: Comencé a pasar mis días únicamente viendo la tele y luego mentía sobre ello. Mi madre me solía llamar para llevar a mi cuñado al aeropuerto, cosas así. Ese es el tipo de tareas de mierda que estuve haciendo en vez de ser escritor. Me sentía la persona más inútil y despreciable en la faz de la tierra.

De pronto, un día vi a esos peones de películas independientes por la calle. Eso me inspiró para que moviera el culo e hiciese mi propia película low-budget: una comedia, graciosa y sencilla en que yo hacía de mí mismo (un escritor acabado y sin valía). Utilicé pocas cosas, mi casa, mi mujer, mi coche... Básicamente todo a lo que podía tener acceso para completar esta película.

Con todo ello, hacer esa película fue una experiencia transformadora. Tuvo problemas, no llegó a festivales y nunca se vendió, pero fue algo que me propuse, era un plan en la mesa y fui capaz de terminarlo.


"Un trabajo te lleva a otro, pero hay que empezar por algún sitio... 
Mi primer empleo pagado, yo tenía 30 años."

Un día, un amigo mio de la uni iba a rodar un piloto, pero el guión necesitaba más trabajo, especialmente 'punch-ups'. Punch-up' es, simplemente, cuando un montón de escritores cómicos sentados en una mesa tienen que transformar el guión en algo más 'punchie', hacerlo más fresco dinámico y divertido, nada más. Yo ni sabía que ese oficio existía, pero me tocó ir, aparcar mi coche en uno de esos garajes interminables de la Warner Bros, y sentarme en esta habitación con todos estos escritores profesionales que no conocía.

Bien, resulta que, al final, se me dio mejor de lo que esperaba. Todo lo que yo decía se incluía en el guión y ese hecho me hizo sentir realmente bien y seguro de mí mismo. El runner se me acercó tras la primera sesión y me ofreció 600 dólares si podía quedarme hasta el final del piloto. Yo me quedé como: '¿Qué? Sí, Dios mío, claro. Estaré ahí'. Lo habría hecho hasta gratis incluso, con tal de poder volver a conducir por el parking de la Warner de nuevo.

Esa serie se canceló rápidamente, pero los comentarios sobre el proyecto estaban en el aire, que yo era un 'gracioso'. Otro runner, me invitó a comer y me contrató 'in situ' para su nueva serie. Un trabajo te lleva a otro, sí, pero tienes que empezar en algún sitio. Este fue mi primer 'empleo pagado', y yo tenía 30 años. 

Los jornales de escritura de comedia son largos- literalmente días de 14 horas- A veces hasta siete días a la semana. Pero yo siempre quise crear mi propia serie, así que comencé a investigar para mi 'proyecto del mundo publicitario' (Mad Men) en mi tiempo libre. Era como tener una amante, trabajaba en ello de noche durante mi horario nocturno cuando no estaba con mi familia. Pagué a gente para que investigasen por mi y encontrasen el material necesario, hasta contraté a un escritor-asistente al que dictar porque estaba demasiado cansado para teclear (además, esto liberó mi imaginación). Cuando hube terminado, sentí como que 'era realmente algo muy especial'.


"Viví cada día de mi vida con ese guión en mente, como si fuese a ocurrir mañana. 
Esa es la fe que hay que tener."

Se lo mandé a mi agente y lo intenté vender a todo el que pude. Literalmente lo arrastré conmigo en mi cartera a todos lados, en caso de encontrarme con alguien que fuese importante o útil para el proyecto. No era capaz de conseguir reuniones con las grandes Networks, pero hice pitchings en pequeñas productoras. De estas escuché cosas como: 'No sabes lo que haces...' '¿Te das cuenta de que esto no es comercial en absoluto?' '¿Nos estás intentando vender la moto o qué?'

Pero, honestamente, las respuestas más punzantes que escuché fueron: 'Este es uno de los proyectos más bonitos y mejor ejecutados que he leído en mi vida, pero no es el tipo de serie que hacemos aquí.' Comentarios como este último me hacían sentir que realmente estaba solo, que pertenecía a otro universo.

Un día, mi agente mandó mi guión a David Chase, el creador de Los Sopranos. Todo lo que yo quería era que él pudiese leer mi guión y hacer un 'Nuevo Padrino' para la HBO. En fin, le gustó tanto que decidió contratarme. Dijo: 'Incluso si te despido, voy a ayudarte a hacer esto.'; ciertamente. Chase se lo mandó a la HBO, pero los ejecutivos lo desestimaron, pues no estaban interesados en proyectos de época.

Obviamente, continué buscando a gente para hacer la venta. Fui a Showtime, Lionsgate, Sony, FX... Todos pasaron del proyecto. Llegó un momento en que 'Mad Men' había estado de vote en vote, de un sitio a otro, por toda la ciudad, durante más de cuatro años, y nadie quería algo rechazado por todos los demás.



Pero, de pronto, la AMC apareció. Estaban intentando hacer una presentación diferente, un BOOM, y querían algo nuevo. También estaban interesados en hacer series que ellos quisiesen ver como audiencia, lo cual es, verdaderamente, el secreto de todo éxito artístico. Ellos dijeron: 'Nos encanta esto que tienes aquí y lo queremos hacer.' Yo estaba tan emocionado, pero, por aquel momento, nadie en el gremio daba un duro por AMC, nadie sabía quiénes eran... Así que todo el mundo sintió lástima y compasión por mí. 

No lo puedo ni expresar, era como si estuviese realizando un proyecto en un garaje, en un sótano, muerto del asco. Nadie conocía ese canal, eso era todo lo que importaba, pero AMC me dio control completo sobre el proyecto y un equipo magnífico y, recuerdo que pensé: 'Ahora voy a vivir mi sueño.' 

Tomó 7 años desde que acabé de escribir 'Mad Men' hasta que finalmente llegó a estar en pantalla. Viví cada día de mi vida con ese guión en mente, como si fuese a ocurrir mañana. Esa es la fe que hay que tener. Hollywood es muy duro, pero yo creo firmemente que si realmente tienes talento, sacas tu trabajo ahí fuera, aguantas un rechazo tras otro y no te pones una fecha límite para ti mismo... Al final alguien se dará cuenta de tu presencia.


"No puedes fijar un reloj para ti mismo, o una fecha de caducidad 
para un proyecto. Si puedes hacerlo, eso es que no eres escritor." 

Lo más desmotivador que escucho (y que denota una derrota de primeras) es 'le voy a dar al proyecto un par de años.' No puedes fijar un reloj para ti mismo, o una fecha de caducidad para un proyecto. Si puedes hacerlo, eso es que no eres escritor. Deberías querer eso tanto y tan fuerte que no tienes otra elección. Has de comprometerte con esa carga a largo plazo. No hay deshonra alguna en el hecho de ser un artista hambriento. Consigue un trabajo que no te importe demasiado para el día a día o de media jornada, pero no te conviertas en 'el mejor' en ello pues, si lo haces, te quitará tiempo de tus sesiones de escritura.

El mayor remordimiento que tengo es que, a principios de mi carrera profesional, fui demasiado cruel conmigo mismo por no haber llegado a realizar nada medianamente significativo. Dediqué tanto tiempo a intentar escribir, pero estaba paralizado por ese sentimiento de retraso, por cuán lejos andaba tras muchos otros. Muchos años después, me di cuenta de que, si hubiese escrito tan sólo un par de páginas al día, había tenido 500 páginas a finales de año (sin contar fines de semana).

Cualquier contribución que hagas en tu rutina es fantástica, yo sigo escribiendo todo de una tirada, aunque ahora soy más tolerante con esos momentos de pensar o procrastinar que innegablemente necesito. Ahora sé que es parte de mi proceso creativo.


Espero que hayáis disfrutado de este inspirador momento de inmersión en la mente de Matthew Weiner. Seguid luchando y trabajando duro para conseguir alcanzar vuestros sueños.

Gracias por vuestras propuestas y comentarios, y por seguir a esta humilde Cineasta Digital de la red

Traducción y edición de Alicia M.Gaspar
'Getting There: A Book of Mentors' por Gillian Zoe Segal

 
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